PRESENTAN LIBRO "RESISTIR ES VENCER" DE HISTORIADOR BASCHETTI
Buenos Aires, 14 de octubre .
"Resistir es vencer", un libro con documentos de los años 1976-77 en el marco de un exhaustivo trabajo de investigación que refleja la resistencia popular durante esos años en la Argentina, fue presentado esta tarde por Roberto Baschetti en un local del Peronismo Militante, en el barrio porteño de San Telmo.
Reconocido historiador del peronismo, con "mas de 500 documentos históricos publicados", Baschetti aseguró que su trabajo es "un aporte a la patria justa, libre y soberana que todos queremos construir" a la vez que un rechazo a la llamada historia oficial de la Argentina.
Acompañado por el titular del Peronismo Militante, Héctor "Gallego" Fernández; el ex preso político e integrante de FAR y Montoneros, Ivo Koncurat; Alejandro Sandoval de la organización Hijos; y Marcelo Koenig de la Corriente Nacional Peronista, hablaron sobre el golpe "cívico-militar" del 24 de marzo de 1976 y sus consecuencias.
La presentación del trabajo se realizó en una colmada unidad básica "Néstor Kirchner" de Piedras al 600, a la que asistieron entre otros, David "Coco" Blaustein y Eva Rearte.
El "Gallego" Fernández destacó el trabajo "fértil" de Baschetti que hace un aporte significativo a "la recuperación de la memoria de nuestros pueblo.Así se rompe con lo que las clases dominantes quieren que es quebrar la cadena de recuerdos, perder la memoria y como decía Rodolfo Walsh, estar empezando todo el tiempo de cero".
Por su parte Koenig, habló de la calidad del trabajo de Baschetti que "pone en el centro de la escena los documentos que las organizaciones populares producían. Esto no es ni mas ni menos que la historia del movimiento nacional, sus estrategias, sus divisiones y su crecimiento".
Koenig también dijo "avanzamos sobre las reivindicaciones que teníamos entonces, es una Argentina real pero nosotros no podemos creer que no hay enemigos al acecho y listos para atacar al gobierno de Cristina Fernández de Kirchner".
A su turno, Koncurat, que conoció varias cárceles durante la dictadura, sostuvo que la resistencia impidió el objetivo de los represores, que era "la destrucción física y psíquica de los militantes populares" y llamó a dar discusiones y establecer los ejes correctos para apoyar a Cristina.
Sandoval, de la agrupación Hijos y que se reconoció militante desde 2008, dijo que el libro "me acerca a mis padres", ambos desaparecidos, y sostuvo que la formación de los jóvenes "está en el debate, la discusión".
Baschetti, último en hablar, tras leer el prólogo del libro que da cuenta de innumerables acciones de resistencia en el 76 y 77 y que nunca fueron publicados por la prensa, cerró su comentario con la afirmación de que "los enemigos del pueblo de aquellos años son los mismos que tenemos ahora".
Fuente:ElPatagónico
"Kirchner Intimo", un libro que describe a la persona detrás del político
“El tipo siempre pagaba todo con el cuerpo”
Daniel Miguez conocía a Néstor Kirchner como pocos. Trabajó en Clarín y en Página 12 siguiéndolo para todas partes, compartiendo viajes y miles de anécdotas. En un retrato con muchas historias, este periodista saca el libro Kirchner Íntimo, donde relata detalles que dibujan la silueta del ex Presidente.
“No quería escribir un libro sobre las políticas de Kirchner, pero tenía la necesidad de retratarlo periodísticamente. Eso es lo que yo puedo hacer”. Entonces Daniel Miguez prefirió contar 65 anécdotas significativas, de esas que le sobraban a él que tanto lo conocía al ex presidente. Las ordenó según temática en nueve capítulos -La militancia, El fútbol, Los ídolos, La personalidad, El gobierno y el poder, Cristina, Mundo diplomático, Momentos claves, El periodismo- y las publicó en el libro Kirchner Íntimo. El hombre y el político, por le periodista que mejor lo conoció.
“Muchas veces me habían dicho que escribiera un libro de Kirchner. Les decía que no porque creía que el afecto que yo sentía no me permitiría poner lo malo. Prefería no escribirlo porque los periodistas no tenemos la obligación de ser objetivos, pero sí de ser intelectualmente honestos”, pensó, y se acordó del presidente que le contaba cuando caminando con el Rey de España trataba de mantener el protocolo, pero nunca pudo decir “Su majestad”, apenas “Majestad”, y hasta “Che, majestad”.
Y le agradeció haber sido testigo privilegiado de lo que él consideraba un proceso único en la historia argentina. Privilegiado hasta llegar al baño del despacho presidencial y mantener juntos una conversación cuyo único intermediario era el bastón presidencial.
“Decidí mostrarlo detrás de la escena, tanto en lo personal como lo político. Ahí empecé a macerar la idea de escribirlo. Este año Planeta me propuso hacerlo. Tenía que sacarlo aproximadamente para octubre. Aunque la editorial pensaba que no iba a llegar, yo ya tenía las anécdotas en la cabeza. Solo faltaba corroborarlas con otros que también estaban ahí”.
¿Dejaste muchas afuera?
Como abarqué desde situaciones cotidianas como un partido de fútbol hasta la charla con George W. Bush, o negociando con el Fondo Monetario Internacional, quedaron algunas afuera, pero elegí las más graciosas o las que por algo eran más significativas para retratarlo de cuerpo entero.
¿Una graciosa?
La primera vez que habló con Bush por teléfono, necesitaba apoyo de Estados Unidos para que las condiciones del FMI no fueran tan rigurosas. En ese entonces estaba muy fresco el recuerdo de las relaciones de Bill Clinton con Monica Lewinsky en el Salón Oal. Bush lo invitó a la Casa Blanca y Néstor le replicó: “Shi, Shi, pero yo al Salón Oval no entro, ¿eh?”. Tenía esas salidas muy rápidas.
Hay características que se ven en cada gesto durante todo el libro: “Tenía una determinación a toda prueba, contra todo. Era un optimista increíble, aun en las peores circunstancias, cuando el mundo se le venía abajo y todos a su alrededor estaban desmoralizados. Tenía salidas muy rápidas, muy irónicas. Yo lo vinculo con la voluntad y la alegría de vivir”, dibuja Miguez.
Habiendo salido tantos libros sobre Kirchner desde su muerte, e incluso antes, ¿No tenías miedo de que fuera muy similar a otros como el de José Pablo Feinmann?
El Flaco muestra los diálogos entre ambos. Yo busqué retratarlo en acción, no tanto reflexiones políticas sino su personalidad, por ejemplo.
¿Pensás que hay alguna anécdota que no esté influida por la política?
Seguro. Lo retraté jugando al fútbol, también con los ídolos… Hablando con el Flaco Spinetta, con Diego Maradona, con Joan Manuel Serrat, Víctor Heredia, León Gieco… ahí no hay política. Hay también mucho humor en el libro. Como la que me contó él cuando casi se matan en el avión y Julio De Vido decía “Nos matamos, Néstor, nos matamos”, mientras Aníbal Fernández contaba chistes.
¿Por qué creés que te abrió las puertas?
Se fue estableciendo una relación de confianza entre los dos porque yo fui el primero en cubrirlo específicamente cuando él tenía el 2 por ciento de intención de voto. Yo era el editor de lo que sería la centroizquierda y de la Ciudad de Buenos Aires. Kirchner se me cruzaba en todos los caminos. Había posibilidad de que se aliara al entonces Jefe de Gobierno, Aníbal Ibarra, y también podía ser el candidato por afuera del Partido Justicialista, con el Partido de la Victoria. Por un lado o por el otro caía en mi área.
¿Y qué hubiera dicho Néstor del libro?
Yo creo que habrá partes, como siempre, que le hubieran gustado y partes que me hubieran dicho “Eh, ¿qué pusiste?” Muchas veces me llamaba temprano para decirme eso cuando publicaba una nota sobre él en el diario. Mientras yo apolillaba él ya tenía el Clarín, por lo menos, leído hasta el último párrafo de la última nota.
Lo conociste sobre todo estando en Clarín, cuando la relación era todavía cercana.
Yo tenía siempre las primicias de Kirchner por ese vínculo que generamos. Se fue aflojando en la medida en que vio que respeté los códigos y no le jugué sucio. Yo lo respetaba también a medida que veía que no me vendía carne podrida. Eso consolidó la confianza.
¿En esa época se lo contaba primero a Clarín que a Página12?
En realidad, me lo contaba primero a mí. Cuando yo estaba en Página 12, me lo pasaba primero a mí. Aunque también mi salida de Clarín y llegada a Página coincidió con la oposición de Clarín.
¿Tuvo que ver tu salida con la ruptura entre ambos?
Yo sospecho que sí, pero en realidad, Clarín se puso opositor un año y 9 meses después de mi salida.
En los medios se hablaba de un Kirchner prepotente. Nunca lo retrataste así.
Coincidentemente con el conflicto con el campo se lo mostraba como autoritario, despótico y que no escuchaba. Yo nunca lo vi así, y me daba bronca que se publicaran esas cosas. Siempre me pareció injusto que lo trataran de prepotente. Por eso me propuse retratarlo como yo lo conocí: enérgico y de carácter, pero también cálido, justo, apasionado y razonante, muy gracioso y muy optimista. Sabía perdonar. Si un funcionario se mandaba una macana, por ahí él se enojaba, pero en seguida pasaba. Quizás mi libro tiene el riesgo para el oficialismo de que, la característica que unos consideran genial, otros la tomen como un vicio.
También decís que tomaba la responsabilidad cuando otro se equivocaba.
Es una política que se veía también de lejos. Él salía a afrontar los costos de las decisiones políticas, cuando lo normal es que el presidente mande al frente al ministro para preservarse. Él era muy cuidadoso con la información porque decía que los enemigos de Argentina son muy poderosos y anticipar pasos y medidas que iba a tomar daba un campo de ventaja muy grande. Siempre era muy reservado en ese sentido.
También era muy convincente, muy carismático y tenía las ideas muy claras. Juan Manuel Abal Medina me dijo el día después de la muerte: “Si Kirchner te decía que al otro día iba a derogar la ley de gravedad, vos te asegurabas de que te ibas a despertar flotando”.
¿Hay alguna otra diferencia con cómo lo retrataban los medios opositores que vos hayas notado?
Lo de la personalidad es lo más contrastante. Después no porque él era una máquina de trabajar y lo pintaban así, pero diciéndole hiperquinético. Cuando gobernaba él decían, primero que lo manejaba Duhalde, después que lo mandaba Cristina. Cuando asumió ella, que él la conducía a ella.
¿Cómo era la relación matrimonial en cuanto al poder?
Eran un complemento increíble. Cuando uno estaba muy arriba o enojado, el otro lo calmaba. Parecía la ley de la compensación. Antes de que Cobos diera el no positivo, Cristina dijo “Me voy a dormir. Ya sé cómo termina esto: Cobos nos va a traicionar. ¿Ustedes se van a quedar despiertos?”. Néstor, en cambio, se quedó esperanzado hasta último momento, cuando no pudo más que insultar al televisor. “Vamos, vení a dormir”, lo calmó Cristina.
Cuando él era presidente, ella era su principal asesora, y al revés. Era una pareja muy extraña porque ambos tenían capacidad de estadistas y los dos eran muy inteligentes. Lo que sí, él era devoto de Cristina, tenía una admiración que lo hacía brotar.
En varias anécdotas subyace la cuestión de la salud.
El tipo siempre pagaba todo con el cuerpo: las angustias, los nervios de gobernar… Todos los presidentes, salvo algunos que no les preocupa mucho, envejecen. Gobernar es estresante. Lo de Blumberg fue muy fuerte para él. Después del crimen de Axel, a él se le produce una úlcera sangrante del Colon que casi lo mata. Fue pegadito una cosa detrás de la otra. Después de lo del campo y de perder las elecciones del 2009, tuvo dos problemas cardiovasculares: la carótida y lo del stent. Él había perdido las elecciones en junio y en febrero siguiente fue lo de la carótida. Todo ese conflicto de Clarín, campo y las elecciones lo hizo envejecer muchísimo. El segundo episodio, la segunda operación, pasó cuando el gobierno estaba bárbaro y sus imágenes altísimas. Pero ahí ya tenía el cuerpo dañado desde antes. Lo otro que lo derrumbó fue el asesinato de Mariano Ferreyra. En esos días hablé dos veces con él, y lo había visto unos días antes.
¿Demostraba el envejecimiento?
Al contrario. Él hacía todo lo que le recomendaban los médicos salvo parar la militancia. Hacía ejercicios y dieta. Él ya tenía decidido no ser candidato a presidente por eso desde 2009. Quería que Cristina fuera presidenta. Pero igual no era suficiente no ser presidente, tenía que trabajar muchas menos horas.
¿Veías algo del Eternauta en él?
No. Eso me parece una buena alegoría nada más.
Fuente:DiarioRegistrado
Buenos Aires declara de interés cultural libro de escritora desaparecida
15 oct. 2011
La Legislatura declaró de Interés Cultural de la Ciudad de Buenos Aires el libro Hubiera Querido, de la escritora entrerriana Rosa María Pargás, detenida y desaparecida por la dictadura.
Rosa María Pargas fue escritora, socióloga y militante de Montoneros. En 1972 fue detenida y en la cárcel de Rawson conoció a su compañero y padre de sus hijos Alberto Miguel Camps, uno de los tres sobrevivientes de la "Masacre de Trelew".
En 1974, gracias a la amnistía del entonces presidente Héctor Cámpora salió de la cárcel y se exilió junto a Alberto en Perú, México e Italia. Al poco tiempo regresaron al país, clandestinamente, continuando su militancia dentro de la organización Montoneros. El 16 de agosto de 1977, Alberto Camps fue asesinado en un operativo parapolicial y Rosa María secuestrada. Al día de hoy permanece desaparecida. Fue vista por última vez en el centro clandestino de detención "El Vesubio".
Como relata en los fundamentos la declaración, "el libro Hubiera Querido nace de sus poesías, atesoradas por su madre en una caja llena de recuerdos en Gualeguaychú. Su hija Raquel, en la búsqueda por reencontrarse con ella, por conocerla, por tenerla y por construir un vínculo que le fue ultrajado a los once meses de vida, encontró refugio en esa caja que tan celosamente custodiaba su abuela".
"Luego de un largo y duro proceso de reconstrucción y reencuentro con su madre, de conocerla a través de sus escritos, Raquel logró compilar y prologar este libro de poesías donde encuentra a Rosa María, sus palabras, sus ideales y sus sentimientos", concluyó un comunicado del diputado Julio Raffo, de Proyecto Sur, autor del iniciativa.
Fuente:UPI.com
08 de Octubre
El arte del parecido
Por Mercedes Ezquiaga
Considerada una de las vertientes más atractivas y desafiantes de la ilustración, el retrato de personas y personajes aparece desplegado en sus más variados estilos y lenguajes en el libro “Illustration Now! Portraits” que el brasileño Julius Wiedemann compiló para la editorial alemana Taschen.
En la última década se multiplicaron, en el campo de la ilustración, profesionales dedicados al retrato, realizado tanto a mano como con la computadora, algo recurrente en editoriales, diarios, publicidades, productos y también como protagonistas de grandes exposiciones.
La reina del pop Madonna, el portugués José Saramago, el artista Andy Warhol, el deportista Tiger Woods, el cineasta Quentin Tarantino, la cantante de realitys Susan Boyle y el presidente italiano Silvio Berlusconi son tan solo algunas de las figuras retratadas, en imágenes reales o caricaturas.
Pensado para pasar sus páginas una y otra vez, sin perder de vista el deleite de la mirada, este libro reúne los exclusivos -y en muchos casos inéditos- retratos de más de 80 ilustradores de todo el mundo, como Aaron Jasinski, André Carrilho, Hanoch Piven, Anita Kunz, Jody Hewgill y Dugald Stermer.
Para dar una idea de la versatilidad y actualidad de la ilustración, la tapa de este precioso ejemplar incluye el retrato del joven y polémico creador de Facebook, Mark Zuckerberg, plasmada por el dibujante autodidacta belga Raphael Vicenzi, dueño de un estilo muy pop que combina colores fuertes con acuarelados.
“Cualquiera que sea la técnica que emplee, el retratista es capaz de representar su objeto de estudio contando algo y trascendiendo el simple acto de dibujar un rostro. De ese modo expresa la personalidad y la historia de la persona retratada, ofreciéndole al espectador la posibilidad de observar al sujeto de forma íntima y profunda”, desliza Wiedemann en el comienzo del volumen.
El prólogo del libro está a cargo del neoyorquino Steven Heller (1950), uno de los más destacados expertos en la materia de ilustración, para quien los retratos son “un vehículo del artista para la expresión de su opinión” y “su propósito principal es transmitir información”.
A lo largo del volumen, se desarrolla una amplia gama de técnicas, lenguajes visuales diversos y numerosos trasfondos culturales: así se pasa del retrato de Diego Maradona, “La mano de Dios” del mexicano Jorge Alderete, a las exuberancias del español Jorge Arévalo, reflejadas en la amplísima frente del jazzero Miles Davis o los labios carnosos de Amy Winehouse.
Coloridos, estridentes, psicodélicos, lánguidos, melancólicos, divertidos, tenues, hechos a mano, en computadora, con objetos, tejidos o sobre tela, los retratos aquí reunidos conforman un caleidoscopio de estrellas de cine, políticos, escritores, deportistas, artistas, reyes y modistas.
Algunos de los retratos más originales aparecen de la mano del estadounidense Jason Mecier, quien explica su técnica: “Me encanta confeccionar retratos de íconos de la cultura pop en 3D, con objetos como maquillaje, caramelos, píldoras, comida y cachivaches de celebridades”, dice. Aparece como ejemplo el actor Nicolas Cage, hecho con monedas, botellas, clips y otros elementos.
“Los rostros cuentan historias y, cuando es una buena historia, es un placer contarla con mi propio lenguaje”, atina a decir el ilustrador alemán Henrik Abrahams, con una idea que claramente sobrevuela todo el volumen.
Tres ilustradores argentinos integran esta nómina cosmopolita: entre ellos, Patricio Oliver, quien mixtura un costado naif con otro mucho más oscuro, y Pablo Lobato, un combo fascinante de colores estridentes, rostros geométricos y figuras flaquísimas a través de Stevie Wonder, Bob Marley, Julia Roberts, Michael Jackson, James Brown, Leonardo Di Caprio y el Che Guevara.
El compatriota Augusto Costanzo también se destaca por su personal estilo: no sólo retrata a Joe Black en la película Escuela de rock, o a Sofía Loren, bandera en mano, en representación de la libertad, sino también pequeñitos cuerpos de grandes rostros para ilustrar la Copa del Mundo 2010: Lionel Messi, Cristiano Ronaldo, Diego Forlán, Kaká y otros jugadores de fútbol.
Fuente:Telam
08 de Octubre
Feijóo: "En cualquier familia siempre hay un secreto"
Por Pablo E. Chacón
En "Los puntos ciegos de Emilia", la escritora Cristina Feijóo explora una serie de dramas de una familia de clase media alta, atrapada en un dilema cuasi policial, determinado por circunstancias histórico-políticas de alto impacto en la Argentina de los últimos años.
El libro, publicado por la casa Tusquets, está centrado en una de las protagonistas, Emilia, en su esposo, Octavio, y en el sobrino político de la mujer, complicados en una trama donde la sordidez y los celos se enseñorean con el pasado, el presente y el futuro de esa familia que -a la luz de los desdichados- suele ser ejemplo de pundonor y honra.
Feijóo nació en Buenos Aires, y vivió hasta los 10 años en la provincia para después volver a la Capital Federal. A los 17 años empezó a militar políticamente en las Fuerzas Armadas Peronistas (FAP). Estuvo presa entre 1971 y 1973, y entre 1976 y 1979. Se exilió en Suecia hasta 1983.
A su regreso, formó parte del taller literario de Nicolás Bratosevich. Publicó los libros "En celdas diferentes" (1992); "Memorias del río inmóvil" (2001); antes había publicado "La casa operativa" (1998).
En diálogo con Télam la escritora confiesa que trabajó "muy a fondo la historia de las dos familias" sobre las cuales hace foco "Los puntos ciegos..." porque "uno de los subejes de la novela es la inmigración", dice.
En la historia, la inmigración no está nombrada como ral más que al pasar, "pero a mí me quedó un sedimento muy sólido para componer los personajes y entender el trasfondo emocional de las familias" ante la catástrofe.
"Los puntos ciegos..." no está ajena nunca a los avatares políticos del país, a pesar de concentrarse estrictamente en un episodio pasional -un drama burgués-, "una suerte de Madame Bovary postpsicoanalítico".
Feijóo, que fue fundadora, en el 2002, de la Cooperativa La Asamblearia, insiste con otro tópico clave en este texto, que además tiene la deferencia de no imponerse ni bajar línea.
"Es la cuestión de la violencia familiar como un aspecto silenciado, o naturalizado en el interior de cantidad de familias; sobre eso no se debe hablar", dice la escritora, que coloca como vector de la trama a una mujer que estará obligada a no callar".
La narradora dice que hablar de violencia familiar "es hablar, de otra manera, del machismo, del sometimiento de la mujer, porque hay que decir que el machismo, no sólo en la novela, es claramente transmitido por la mujer, que opera como una correa de transmisión de la ideología paternalista", subraya Feijóo.
Pero tampoco se trataba de ilustrar una tesis sociológica sino de contar una historia, y "Los puntos ciegos..." funciona como motor de esa historia: el encierro de Emilia, el descubrimiento insólito de la infidelidad de su marido, su venganza, el drama imparable.
Emilia avanza juntando datos sobrte la traición de Octavio, alimentando su resentimiento, pensándose como ajena a la situación que está viviendo: una erotómana reconvertida a "alma bella".
"En efecto, ella va descubriendo algunas cosas que no quería ver (y que no quiere ver); y lo curioso es que lo que `descubre`, no la lleva a comprender mejor si vida sino a enceguecerse más", precisa la autora.
"Ella es su propio punto ciego", agrega, "incluso un punto ciego respecto al futuro", porque "se va apartando de sí misma, y con los nuevos elementos sólo crea nuevos puntos ciegos, en reemplazo de los antiguos. Esa es su manera de cubrir la perspectiva de su realidad".
Emilia, "quiere descubrir verdades, pero en su lugar, multiplica las fabulaciones, las formas de autoengaño. Y este avance hacia construcciones falsas es lo que la termina precipitando en la desgracia".
Feijóo reconoce que no pensó, al escribir, en Madame Bovary, la novela de Gustave Flaubert, "pero pensándolo bien, mi novela podría leerse con ese trasfondo".
"Con la diferencia que en "Los puntos ciegos..." la perspectiva no es romántica. Porque la ceguera de Madame Bovary obedece a la pasión".
¿Y la reacción de Emilia? "Yo creo que es su imposibilidad de hacerse responsable de sus actos; el automatismo de hacer responsable de todo lo malo que le pasa a los demás. Y su propia cobardía".
Emilia es una mujer "que no se anima a enfrentar a sus propios sentimientos, a su complejidad, hacia su madre primero, y hacia su marido después", resume, e intriga Feijóo.
Por cierto, la novela "es una vuelta de tuerca al imaginario con el que trabajé siempre mis textos; y si bien tomo a una familia, sus alegrías, sus pesares, también están los aspectos de la vida social y política, y cómo influyen sobre esa familia".
Convendría "no olvidar que las determinaciones históricas moldean las subjetividades, las conductas, las reacciones, según las clases sociales y la vida pública de las personas".
"Emilia niega esa interrelación entre lo público y lo privado. Y Octavio, por el contrario, o la madre de la protagonista, registran esa tensión, su percepción está matizada.
La reacción al episodio de Cromañón es un ejemplo", dice la escritora.
La novela de Feijóo trabaja con los secretos que atraviesan a cualquier familia. "En toda familia hay secretos, algunos se comparten, otros no; hay pactos secretos, silencios; cosas que se ocultan, que nunca se sabrán. Es la marmita donde se cuecen las habas de la violencia doméstica", concluye la escritora.
Fuente:Telam
09 de Octubre
Umberto Eco desmonta los secretos de la creación literaria
Próximo a cumplir 80 años, el escritor italiano Umberto Eco reúne en su flamante obra “Confesiones de un novelista” un conjunto de apuntes sobre la trastienda de la creación literaria formulados a partir de un cuestionario que el ensayista responde con la ironía que lo distingue.
El autor de “El nombre de la rosa” narra en su nuevo libro distintos aspectos relacionados con su formación literaria y su acercamiento a la ficción después de destacarse como ensayista: así, desgrana detalles acerca de cómo prepara cada una de sus novelas, cómo delinea a sus sus personajes y el entorno que los rodea.
También aborda la cuestión de la ambigüedad –una dimensión que Eco se ocupa de propiciar para que los lectores se sientan libres de seguir su propio camino en la interpretación de un texto- y se detiene en las facultades de un escritor para manipular las emociones del receptor.
“Publiqué mi primera novela, ‘El nombre de la rosa’, en 1980, de modo que empecé mi carrera como novelista hace cosa de 30 años. Me considero, por lo tanto, un novelista muy joven y ciertamente prometedor, que hasta el momento ha publicado unas cuantas novelas y publicará muchas más en los próximos 50 años”, deja sentado el autor en el prólogo de su obra.
En “Confesiones de un joven novelista”, editado por el sello Lumen, el ensayista retoma algunos tópicos sobradamente explorados, como las tensiones entre inspiración y trabajo o talento y esfuerzo, a la vez que no olvida testimoniar cómo pasó de ensayista a novelista.
Eco sostiene que cuando cumplió 50 años no se sintió, “como les pasa a muchos alumnos frustrado por el hecho de que su escritura no fuera “creativa” y asegura que con el ensayo teórico “se pretende demostrar una tesis determinada o dar una respuesta a un problema concreto, mientras que, con un poema o una novela, lo que se pretende es representar la vida con todas sus contradicciones”.
“Los escritores creativos piden a sus lectores que traten de encontrar una solución”, asegura antes de explicar que en las charlas que ofreció tras la publicación de “El nombre de la rosa” se preocupó por argumentar por qué un novelista puede decir cosas que no puede decir un filósofo.
El resultado del conjunto de artículos que aparecen ensamblados en esta pieza es un conjunto de reflexiones y evocaciones escritas con la ironía y el desparpajo que distinguen al autor de “Apocalípticos e integrados”, puestas en esta caso al servicio de una indagación sobre las condiciones de producción de la obra.
Fiel a su tarea educadora, el texto también exhibe un tono pedagógico que demuestra su empeño educador sin incurrir nunca en el aburrimiento: el resultado final es un libro entretenido y erudito, que no pretende sorprender por su originalidad pero que a su vez no desentona en la trayectoria ensayística del autor.
Eco pone al descubierto el complejo andamiaje que sostienen sus novelas: la rigurosa labor de documentación que incluye mapas, fichas, esquemas y visitas a los sitios en que ambienta sus ficciones, la previsión de las consecuencias que sus obras pueden provocar y la búsqueda apasionada de la verosimilitud.
“Cuando preparaba la redacción de ‘La isla del día de antes’ fui a los mares del Sur, a la localización geográfica exacta donde transcurre la acción del libro, para ver los colores del agua y del cielo a diferentes horas del día, y los matices de los peces y de los corales. Pero también me pasé dos o tres años estudiando dibujos y modelos de barcos de la época, para averiguar cómo era de grande una cabina o un cuchitril, y cómo podía una persona moverse del uno al otro”, relata.
Eco se interroga también sobre la relación entre realidad y ficción, sobre los componentes reales que sobreviven en toda construcción literaria: "Y por qué cuando Goethe publicó en el siglo XIX `Las tribulaciones del joven Werther`, donde su héroe homónimo se suicida por amor, muchos jóvenes románticos de la época hicieron los mismo?", se pregunta.
Nacido en Alessandria (Italia) en 1932, Eco se destaca como crítico, ensayista y semiólogo además de como novelista y, actualmente, es catedrático de Semiótica y director de la Escuela Superior de Estudios Humanísticos en la Universidad de Bolonia.
Entre su obra ensayística, figura “Apocalípticos e integrados” (1964) y “Lector in fabula” (1979) y, entre su obra narrativa, destacan “`El péndulo de Focault” (1988), “La isla del día de antes” (1994) y “La misteriosa llama de la reina Loana”(2003).
Fuente:Telam
10 de Octubre
"La ingratitud", una novela sobre el extrañamiento y el choque de culturas
Por Pablo E. Chacón
Con "La ingratitud", su primera novela que acaba de ser reeditada, la escritora y periodista argentina Matilde Sánchez logró sorprender a los lectores con un fraseo que encadena la extrañeza de vivir en una cultura y una lengua ajena, la paternidad a distancia y la inestabilidad estructural de la identidad.
El libro, publicado por el flamante sello MarDulce, que dirige el escritor Damián Tabarovsky, recupera este texto que conoció la luz gracias a la generosidad de las ediciones Ada Korn, y que fundó -si se quiere- un linaje, no tanto contra la idea de trama o anécdota sino contra la idea de comunicación.
En conversación con Télam, la escritora, que desde hace un par de semanas está en Italia en viaje de trabajo, dice que preguntarse, ahora, por "La ingratitud", de alguna manera sigue siendo una incógnita.
"Bueno, la leo con lo mucho y lo poco que en verdad es, lo que al comenzar parecía imposible. Más que una novela, seguramente es una petición de principio", propone en diálogo con Télam.
Sánchez nació en Buenos Aires. Desde muy joven practica el periodismo. Dirigió el suplemento Cultura y Nación del diario Clarín. Y obtuvo la beca Guggenheim y la Knight-Wallace de la Universidad de Michigan (Estados Unidos).
Publicó las novelas "El Dock", "El desperdicio" y "Los daños materiales"; los relatos de "La canción de las ciudades"; y "Las reglas del secreto", una antología comentada y prologada de textos de Silvina Ocampo.
"La ingratitud" se ubica en las coordenadas temporales del invierno europeo, en el crepúsculo de la guerra fría (o bajo la aurora de la mundialización capitalista contemporánea), en una Berlín fantasmal, donde la protagonista usa los teléfonos públicos para comunicarse con un padre que con el paso de los días se afantasma cada vez más.
"Yo hice el viaje a Berlín oeste -cuenta la narradora- por puro entusiasmo de Gabriela Massuh, por entonces en el Instituto Goethe...yo era periodista en Tiempo Argentino y estaba emperrada en ir a Munich a estudiar alemán".
Pero "ella insistió. Gabriela (Massuh) es una de las editoras de MarDulce; siempre le gustó el libro y por lo tanto habría sido ingrato de mi parte no dárselo".
"La ingratitud" está dedicada al padre de la escritora, quien llegó a Alemania en 1983, se quedó más tiempo del que pensaba, y en 1987, después de un año y medio de trabajo llevó el libro hasta las manos de Ada Korn, que pudo lanzar mil ejemplares tres años después.
La atmósfera del relato es ominosa, nocturna; una atmósfera con música de fondo, algo entre Steve Roach y David Bowie.
Sánchez recuerda que en la época de la escritura del libro "leía mucha teoría, veía mucho cine basado en el montaje de citas".
Pero "en algún momento empecé a interesarme más en la novela realista o en géneros como la literatura de viaje -no, digo mejor, los viajeros- y supongo que cambié el rumbo. Sigo releyendo a algunos de esos autores (Peter Handke, Juan José Saer, Maurice Blanchot, Thomas Bernhard) y no a otros".
Y agrega: "Siguen estando en mi biblioteca, digamos, pero no en la de mi cuarto, excepto Saer y Bernhard. Particularmente Bernhard me hace una enorme gracia siempre".
En la actualidad, entre muchos otros, Sánchez lee "con mucho placer a algunos autores de mi generación, en especial a Sergio Chejfec y Daniel Guebel. Me gusta lo que escriben desde antes de que fueran mis amigos. La narrativa de Silvia Molloy me parece espléndida también, y no se le da importancia", apunta.
La escritora dice que no leyó la narrativa de Romina Paula ni la de Mariana Dimópulos (donde suenan algunos ecos de su literatura): "No, no leí a ninguna de ellas, aunque supongo que debería... creo que es una desgraciada tradición argentina que las autoras no nos leamos más. Mencioné a Romina Paula por su trabajo teatral, el teatro me interesa muchísimo", asegura.
¿Puede separarse la literatura de la representación, no sólo de la representación teatral, quizá más vinculada a la tradición decimonónica, sino a la representación en sí misma, a riesgo de caer en una suerte de glosolalia controlada? Matilde Sánchez no contesta. Prefiere concentrarse en la cuestión de los idiomas, el lenguaje, las frases (es decir, la representación, por otros medios).
"Eso creo que tiene que ver con la particular formación y el gusto de cada quien. Mi lengua madre en verdad no fue el castellano; en mi casa se hablaba el catalán: mis dos padres, mi abuela; la vida hogareña transcurría por completo en catalán pero aprendí castellano al mismo tiempo", dice.
Después "completé mis estudios formales en traducción, leo en inglés desde la adolescencia -pero recién pude pensar en ser escritora cuando empecé a leer traducciones", destaca la escritora.
"Tener otra lengua a mano, cualquiera sea, multiplica las resonancias y te pone en contacto con infinitas posibilidades dentro de esta. Pero eso creo que en teoría…", explica.
"De hecho, algunos de mis autores argentinos preferidos suelen apelar a núcleos o resonancias muy vernáculas que me fascinan y de las que sería incapaz, como (Ricardo) Zelarrayán, Fogwill, (Miguel) Briante, incluso (Adolfo) Bioy Casares. Sé que significarían mucho menos para un lector de otras latitudes. Pero ese ya es un tema político", concluye Sánchez.
Fuente:Telam
11 de Octubre
Biblioteca Nacional
Se abrió al público el Museo del Libro y de la Lengua
El Museo del Libro y de la Lengua, dependiente de la Biblioteca Nacional, abrió esta tarde sus puertas al público, que desde las 14 a las 19 (su horario de todos los días) recorrió la planta baja y el primer piso, los únicos habilitados por el momento.
Según voceros de la BN, la directora del instituto, María Pía López, estuvo acompañada por algunos de sus colaboradores más cercanos ajustando detalles de último momento, aunque no hizo declaraciones a la prensa.
Sin embargo, la curiosidad de los porteños y algunos turistas funcionó como suele suceder con las novedades edilicias o de otro tipo, con una cantidad apreciable de público que con el correr de los días irá rotando, volviendo o yendo por primera vez.
Se calcula que para los primeros días de noviembre estarán todos los dispositivos tecnológicos en pleno funcionamiento, y que se estacionará un público afín a la propuesta, que se sostiene en una serie de juegos, estaciones y recorridos que darán cuenta de la historia del castellano y la radiación de su influencia en idiolectos y lenguas más o menos privadas.
Fuente:Telam
13 de Octubre
50.000 euros
Una escritora cubana ganó el Premio Internacional de Poesía García Lorca
La cubana Fina García Marruz fue galardonada con el Premio Internacional de Poesía Ciudad de Granada Federico García Lorca, el galardón de poesía con la mayor dotación económica del mundo de habla hispana (50.000 euros).
García Marruz (La Habana, 28 de abril de 1923) es merecedora del reconocimiento por el "tono reflexivo, intenso, apasionado en ocasiones" que expresa en su poesía, así como por la "contención formal" y el "dominio de la expresión lingüística", señaló el jurado en Granada.
Su candidatura se impuso a otras 40, la mayoría procedentes de América Latina, según informa la agencia de noticias Dpa.
Este galardón le llega a la poeta cubana unos meses después de que se le concediera también en España el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.
García Marruz fue la única mujer del grupo de la revista "Orígenes", que supuso una modernización de la literatura cubana y de la que ella es el último miembro vivo.
El grupo de intelectuales y artistas cubanos estuvo vertebrado por José Lezama Lima y a él pertenecieron entre otros Gastón Baquero, Eliseo Diego, Julián Orbón, Agustín Pi, Octavio Smith y Cintio Vitier, que fue marido de la poetisa.
La poeta es "uno de los grandes nombres de la literatura cubana del siglo XX" y una de las voces "más representativas" de la poesía hispanoamericana, destacó el jurado.
García Marruz publicó sus primeros textos en la década de los 40, si bien su primera gran obra, "Las miradas perdidas", data de 1951. Es autora también de "Visitaciones" (1970), "Viaje a Nicaragua" (1987) junto a Vitier y "Créditos de Charlot" (1990), entre otros. Su poesía ha sido traducida a varios idiomas.
El Premio Internacional de Poesía Ciudad de Granada Federico García Lorca cumplió este año su octava edición. El año pasado lo ganó la española María Victoria Atencia (2010).
Entre otros han sido galardonados con él Francisco Brines (2007), José Emilio Pacheco (2005) y Ángel González (2004).
Fuente:Telam
13 de Octubre
"Orificio"
Un imaginario social apocalíptico en la novela inédita de Casullo
Por Leticia Pogoriles
"Orificio" es una novela recién publicada del escritor Nicolás Casullo, fallecido en el 2008, quien la escribió hace casi veinte años y que traza un imaginario social apocalíptico en una Buenos Aires futurista.
Este texto, que sale a la luz gracias al sello Astier Libros, fue escrito en los noventa -signados por el menemismo más rancio- pero su autor trabajó en la corrección hasta poco tiempo antes de morir, con miras a publicarla.
Gabriel Lerman, uno de los editores, descubrió el año pasado la existencia de "Orificio" debido a una investigación que realizó sobre la obra novelística de Casullo. Enseguida decidió publicarla, con el beneplácito familiar.
"Cuando recibimos el texto estaba bastante corregido, trabajamos con una versión mecanografiada y con mínimas correcciones manuscritas de Casullo que se respetaron. Se publicó sabiendo que la novela tiene una coherencia interna y estaba cerrada", cuenta Lerman a Télam.
Situada en los barrios de una Buenos Aires de 2117, "Orificio" narra a una sociedad de mutantes que viven en tribus encapsuladas, con escasa relación entre sí y extraviadas a su libre albedrío y desesperación.
"Es una novela bastante dura donde se presenta un imaginario del Apocalipsis social que, de alguna manera, anticipaba lo que fue la crisis social de 2001, aunque ni Casullo, ni `Orificio` tienen una intencionalidad social y política. Es ficción, sin intenciones de dar un mensaje determinado", aclara el editor.
Enmarcada en la tradición de "La ciudad ausente" de Ricardo Piglia o "Una sombra ya pronto serás" de Osvaldo Soriano, con ribetes policiales y de ciencia ficción de Juan Sasturain o, incluso, hermanada de alguna forma a "El Eternauta" de Héctor Germán Oesterheld, la obra sigue esa línea de la disolución social que no permite la salida política ante una ciudad devastada.
"El lenguaje de la novela no trasmite opresión, sino que es de una acción atractiva", dice el editor.
Casi como un juego, Casullo dibujó un mapa de la ciudad (que está en el libro) con los nombres de los barrios y sus tribus, como los Guerrilleros de Palermo, los Salvajes del Sur en Barracas, las Hembras de San Telmo, los Soldados Anarcos de Chacarita o los Poderosos de Núñez.
Con esta traza urbana algo juguetona donde la ciencia ficción es más política de lo que parece, Orificio, el personaje central, se levanta como una suerte de líder de una revuelta que postula el mantra violento de la conquista del poder a toda costa.
"Hay algo bastante escéptico y desolador sobre las posibilidades de emancipación de esa sociedad. Es como una recreación de cierta lucha social casi robótica, sin que sepan bien hacia a dónde van", plantea Lerman.
Para él y, arriesgando una interpretación política, en "Orificio" se lee algo del concepto "de revolución como cambio de estructura que pertenece a un repertorio de ideas del pasado que a, diferencia de los setenta, la revolución estaba en el horizonte".
Para Piglia, autor de la contratapa de la novela, "es un ejemplo de esa gran tradición narrativa, la novela anticipa y explora el imaginario apocalíptico de la crisis social. Narrada con un estilo ágil y áspero el Orificio recuerda al mismo tiempo las conspiraciones de Roberto Arlt y las utopías sin esperanza de Walter Benjamin".
"Fue un emblema de un intelectual, militante y ensayista de las décadas del 60 y 70 que intervenía tanto en lo político como en la escritura de una novela, era muy versátil y heterodoxo, complejo y completo.", dice Lerman.
Su faceta literaria estuvo compuesta por cuatro novelas, (Orificio es una) que marcan el pulso de cada década desde el latir cultural, y político, claro.
En la primera "Para hacer el amor en los parques" (1969) cuenta con un estilo influenciado por la obra de Julio Cortazar cómo "una estudiantina se acerca a la revolución y coquetea con la lucha armada en una época en la que se podía estar tanto en La Habana como en el Mayo Francés", ilustra Lerman.
"El frutero de los ojos radiantes" (1984) es una novela de la vuelta del exilio en los años 80 con una profusa biografía familiar que ahondó en el drama social de la inmigración europea en el Río de la Plata.
Años después vuelve con "La cátedra" (2000), una novela gótica del género del policial negro donde se observa una madurez intelectual y un estilo literario más cercano a Umberto Eco.
"Orificio", que quedó trunca entre éstas dos últimas, de alguna manera también trasmite en clave ficcional el pulso social de algunos sectores frente al menemismo. "Fue realmente como un cachetazo, era como liquidar cualquier tipo de esperanza en relación al peronismo, algo que el kirchnerismo recuperó", opina el editor.
Aún así, su publicación se da en un momento político y cultural más cercano a las ideas, esperanzas e ilusiones de Casullo, y para Lerman puede "ayudar a que el movimiento kirchnerista no pierda la impronta disruptiva y la capacidad de pensar la sociedad de manera crítica".
"Orificio" es la primera novela con la que irrumpe Astier Libros, que impulsa la idea de difundir y comercializar obras de autores nacionales que nunca fueron editadas o no se han vuelto a editar y que abordan imaginarios sociales y culturales urbanos.
Fuente:Telam
14 de Octubre
La lengua del ser como insumo del tango
Por Pablo E. Chacón.
En "Veinte siglos no es nada", el ensayista y doctor en Filosofía Néstor Cordero, retorna sobre la hipótesis que vincula a ciertas letras de tango con algunos núcleos fundamentales del pensamiento griego clásico.
El libro, publicado por la casa Biblos, lleva por subtítulo "Filosofía, Tango, París", entre otras cosas porque muchas de las letras estudiadas fueron escritas en la Ciudad Luz (o en su versión mítica), en determinados casos, hasta dar forma a una verdadera concepción filosófica.
Cordero es doctor en Filosofía por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y la Universidad de París-Sorbona. Ejerció la docencia en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA y luego en Rennes I, Francia, donde reside desde 1979.
Especializado en la tradición manuscrita de la filosofía presocrática, es autor de "Les deux chemins de Parménide"; "Siendo, se es" y "La invención de la filosofía". Es ciudadano ilustre de la ciudad de Elea, cuna de Parménides.
En diálogo con Télam, el ensayista dice que "durante el período helenístico, entre los siglos III AC al I AC, surgen otras escuelas: el cinismo, el epicureismo, el estoicismo, muy distintas de las anteriores y para las cuales la filosofía implica un modo de vida, una manera de vivir".
Y agrega que "en los pocos textos que quedan, encontré muchas similitudes entre ese período y algunas letras de tango. Entonces, de a poco, fui imaginando conferencias, y cada vez que venía a Buenos Aires daba una en la Academia del Lunfardo, de la cual soy miembro".
La literatura popular que se pone en evidencia en las letras de tango es, de alguna manera, testigo de su tiempo.
Cordero cuenta que "gracias a internet" leyó "las letras de unos dos mil tangos". Encontré tres o cuatro temas recurrentes que -créase o no- trazan un paralelismo con ciertos temas fundamentales del pensamiento griego.
"Uno de los cuales, sin dudas, es la fuerza, la fatalidad del destino. `Contra el destino nadie la talla`, dice el tango. Ese espíritu también habita la época helenística", destaca el investigador.
Es una época "pesimista, desconfiada de la política; si en un principio la filosofía se confunde con la política, durante el período que estudio es todo lo contrario".
Por cierto, cambia, todo cambia. "Porque hay un emperador, un imperio. Primero reina Filipo, después Alejandro, después los romanos. Los filósofos ya no deciden nada. Aceptan lo que el destino les impone".
Y esto mismo, dice, "aparece en muchas letras de tango; curiosamente, hay una frase de Cicerón, escrita en latín, que dice más o menos lo mismo que `con el destino nadie la talla`".
Cicerón afirma que contra el destino no podemos hacer nada, es el destino quien juega con nosotros. "Ese grado de fatalismo", asegura este hombre que se atrevió a decir que Julio Sosa era un cantor machista e impostado.
El ensayista no se engolosina con el pasado, justamente cuando apunta que el otro tema que una filosofía y tango "es la nostalgia del pasado".
"Porque en la época helenística no se está en democracia, sino bajo los dictados de un imperio global, donde no se puede influir, donde los filósofos no pesan. Así, se idealiza el pasado", asegura.
Y aclara que "muchos de esos filósofos griegos, en sus libros cuentan el pasado de la humanidad como una era mítica, una edad de oro; después se pasa a una edad de plata; más tarde a una de hierro. Finalmente, a la máxima devaluación posible".
Esa nostalgia (que también está en Hesíodo) "aparece en infinidad de tangos, `te acordás hermano, que tiempos aquellos`, `veinticinco abriles que no volverán`, `los muchachos de antes no usaban gomina` y las minas ya no son lo que eran. En fin, otra vez: se valoriza el pasado", dice.
Y "se extraña la ciudad pequeña. Es imprescindible recordar que Grecia no era un país. Era un conjunto de ciudades autónomas en las cuales se hablaba griego, pero donde también se peleaba a muerte. Esparta y Atenas se enfrentaron durante 40 años".
Cordero quiere decir que esas ciudades "no se consideraban una misma nación, pero en esas ciudades, y esto lo dice Aristóteles, todos se conocían".
"Cuando la zona se transforma en parte del imperio (romano), las ciudades crecen. Atenas llega a tener 400 mil habitantes. Se añora la ciudad antigua, la democracia", explica.
Y avanza: "La palabra demos quiere decir barrio, se trata del gobierno de los barrios, no del gobierno del pueblo, como se repite ahora con asombrosa ligereza".
Para demostrar la equivalencia, ahí están "Bajo Belgrano", "Sur", etcétera. Y con el paso del tiempo, de los siglos, el filósofo (y la filosofía) se transforman.
"Se usa un lenguaje críptico, que casi no tiene relación con la vida de todos los días. Hegel, Kant, Heidegger, son genios, es indudable, pero su discurso no ayuda a vivir mejor a nadie", concluye Cordero.
Fuente:Telam
ANTICIPO DE LAS AVENTURAS DE PERÓN EN LA TIERRA
El día en que Perón cantó “En el auto de papá” con Pipo Pescador
Año 4. Edición número 178. Domingo 16 de octubre de 2011
Por Las aventuras de Perón en la Tierra
En 1973 los programas de la televisión argentina para niños abarcaban desde La luna de Canela hasta Gaby, Fofó y Miliki. Pero lo que realmente pegaba, lo que realmente funcionaba, era un personaje que andaba con una boina y un acordeón, que se vestía con colores llamativos, eso lo adivinaban los niños de la época por los distintos tonos de grises que mostraba la televisión en blanco y negro: un personaje llamado Pipo Pescador, que era un avance revolucionario para un género que durante años había sido monopolizado por María Elena Walsh. Pipo Pescador no renegaba del imaginario aquel, pero ponía a los niños en pie de lucha por sus derechos. Derechos que en aquellos años eran inexistentes.
Pipo era el éxito del momento, así que cuando en el Ministerio de Bienestar Social se decidieron a festejar el Día del Niño en la Quinta de Olivos, la elección era obvia. Los niños de las villas miseria de la zona celebrarían su día con el General Perón al ritmo de las canciones de Pipo Pescador.
“Yo estaba en una estancia de Gualeguaychú, donde nací. Veo venir un coche de Prefectura.
–¿Pipo Pescador?
–Sí, soy yo.
–Acompáñenos: quiere verlo el General.
Subo al auto y me llevan directo a Olivos. Caigo y estaban Perón, Isabel y López Rega. Había una fiesta por el Día del Niño.”
Todo estaba preparado. Pipo desplegó frente al auditorio su carisma y cantó esas canciones tan movilizadoras que él supo componer. Años más tarde, en el programa de Diego Capusotto, un sketch en el que un analista de letras de rock busca obsesivamente referencias a la marihuana dice que la inocente y exitosa canción “En el auto de papá” habla “del fasso”. Aparentemente, la referencia es obvia ya que el protagonista viaja en un auto medio hecho pomada pero no le importa porque lleva torta. La torta, según el personaje, es claramente de porro.
Enterado de esa idea, el creador de canciones infantiles contestó: “Bueno, un artista no tiene conciencia de la dimensión total de su obra. En mis letras hay connotaciones sociales. Mi hija dice que soy un artista de la clase media alta y progresista. Carmela vive en España, es licenciada en Lenguas y está haciendo una tesis sobre mi trayectoria, pero esto jamás se le hubiera ocurrido. Esta noche la llamo: la torta sería la marihuana. Buenísimo. Pero no hubo doble sentido. Se me ocurrió en un taxi. La escribí en diez minutos. Te hablaba del componente inconsciente. En la Argentina del silencio es salud, yo hacía que todos participaran. Supongo que era una manera de reaccionar.”
El momento culminante de esa fiesta en la Quinta de Olivos fue cuando Pipo entonó esa canción que lo hizo famoso y por la que aún hoy cobra regalías de distintas partes del mundo. En un momento del show, Pipo ve que el General Perón se sienta entre los chicos y se suma al juego: “Tenías que verlo a Perón cantando ‘En el auto de papá’. Se agachaba, iba para acá, para allá, hacía el túnel, me hacía los coros”.
Pipo no recuerda haber hablado cosas importantes con el General o con alguien del gobierno aquel día. Lo que recuerda es que su show no fue el final de aquella fiesta para los únicos privilegiados. Porque de ahí, los niños fueron llevados a The Embers, un lugar bastante cheto de la zona norte donde todos comieron hamburguesas.
*Anticipo de Las aventuras de Perón en la Tierra, de Jorge C. Bernárdez y Luciano di Vito (Sudamericana).
Fuente:MiradasalSur
FERIA DEL LIBRO DE FRANKFURT
11 de Octubre
Autores argentinos participan en la Feria del Libro de Frankfurt
Por Mora Cordeu, enviada especial
Con distintas expectativas, una docena de escritores argentinos llegó este martes a esta ciudad para participar en la 63ª Feria del Libro de Frankfurt, como parte de la delegación de Cancillería que continuará la presencia iniciada en 2009 y multiplicada el último año cuando Argentina fue invitada de honor a ese megaevento editorial.
“Contra cierta tendencia generalizada, creo lo siguiente: que le vaya bien a un escritor argentino contribuye a que le vaya bien a los demás. Por otro lado, me parece absolutamente necesario que nuestra literatura confronte con amabilidad otros públicos, otras críticas, otros escritores. Es urgente salir del aislamiento, la endogamia y las riñas de aldea”, sentencia.
“Un encuentro entre intelectuales es positivo, es un intercambio de pensamientos, es conocerse más, interesarse por la problemática alemana e interesarlos por la realidad latinoamericana a través de la literatura”, dice a Télam, Osvaldo Bayer.
Por su parte, Martín Kohan afirma que “todo contacto con lectores posibles o efectivos, potenciales o ya existentes, me convoca. Formar parte de eso mismo, pero de manera colectiva, tanto más”. Y el chaqueño Mempo Giardinelli está de acuerdo en participar si “va a ser política cultural de Estado que la Argentina asista a algunos grandes eventos. En tal caso esta feria es un clásico”.
Mariana Enriquez confiesa que ella va de novata: “Es la primera vez que voy, quiero recorrer la Feria, encontrarme con gente a quien le interese la literatura latinoamericana, conocer a mi editor en Alemania, ver alguna posibilidad de traducción que me plantearon editores locales”.
Y Eduardo Sacheri, considera “muy piola la idea de instalar una presencia continuada de la literatura argentina en esta Feria. Todos sabemos que lo que prima en ella no es el contacto con el público lector. Pero mantener una presencia de autores y temas nuestros es todo un desafío. Espero estar a la altura”.
“¿Qué espero del viaje? Muchas cosas, hacer una nota de viaje si me lo permite el tiempo que debo dedicar a los trabajos que presentaré en las mesas redondas. En cuanto a lo que espero de mis libros, nunca se sabe. Quiero visitar el zoo”, dispara Hebe Uhart.
Sobre el proyecto Sur, creado en 2009 para promover la literatura local a través de la traducción de obras de autores nacionales, los escritores consultados manifestaron su conformidad en forma unánime.
“Me parece más que valioso que la literatura, habitualmente tan olvidada, ocupe un lugar en un proyecto que el Estado impulsa”, comenta Kohan sobre este programa que lleva traducidas más de 291 obras a 32 idiomas.
A su vez, Giardinelli, opinó que “es una manera de ayudar a que la literatura argentina contemporánea se conozca en el mundo. Hay muchos países con programas similares y es una buena forma de orientar recursos del Estado”.
“En la cultura hay que gastar dinero” afirma Bayer. Este año, con una partida extra de Hacienda se traducirán 150 títulos a un costo de 480.000 dólares (3.200 por libro).
“Me parece fantástico -exclama Enriquez-, es muy difícil difundir nuestra literatura, es un apoyo invalorable. Mediante este programa tradujeron mi novela `Cómo desaparecer completamente´ al alemán, en el destacado sello editor Verlag Hans Schiler”.
En su bautismo ferial, la escritora que trabaja en sus obras lo extraño y el terror, también el realismo urbano muy crudo, le gustaría ser traducida al inglés, no solamente porque “ofrece la cantidad mayor de potenciales lectores”, sino porque es la lengua en la que escriben sus “escritores favoritos”.
Para Uhart este programa “ya está en acción y más adelante se verán los resultados”; mientras que Brizuela lo califica de “excelente, mucho más ahora que pasará a tener carácter permanente”.
“Uno puede estar más o menos de acuerdo con los títulos elegidos, pero -y perdón si ofendo a alguien- hay que ser muy mezquino para no reconocer el inmenso beneficio que redunda semejante inversión de dinero y trabajo en algo tan tradicionalmente desatendido como la cultura”, dice el escritor.
Por supuesto, agrega, “esto sería imposible sin el aval de los más altos niveles de decisión política, y sin un proyecto nacional como el que sostiene esta gestión”.
A Sacheri le parece bien que “el programa priorice autores y obras que no contaron con esa dosis de buena fortuna venida desde afuera del mundo de los libros”, en relación a la versión cinematográfica de “El secreto de tus ojos”. “Una obra mía que se convirtió en estímulo primordial para el entusiasmo editorial”.
Los escritores invitados participarán de mesas redondas que el público podrá seguir por traducción simultánea en el nuevo auditorium del remozado stand argentino: 120 metros cuadrados donde una treintena de editoriales exhibirán sus libros.
¿Qué aporta esta presencia literaria en una feria cuyo eje principal son los negocios? “Por qué no se va a poder hablar sobre literatura en medio de un entorno dominado por los negocios. Al fin de cuentas, es esa la manera en que la literatura circula en la sociedad”, responde Kohan, categórico.
Fuente:Telam
12 de Octubre
Frankfurt: el stand argentino abrió con una mesa redonda sobre el conurbano
Enviada especial
La directora de Asuntos Culturales de la Cancillería, Magdalena Faillace, abrió este miércoles el stand argentino haciendo hincapié en la presencia de escritores en la Feria del Libro de Frankfurt, la más grande del mundo en la venta de derechos de autor, antes de la realización de la primera mesa redonda, "La ciudad narrada: Nuevas miradas".
"Continuamos nuestra presencia en esta feria, aunque ya no somos el país invitado de honor -este año la distinción recayó en Islandia-, con un grupo de escritores de diferentes generaciones con el acento puesto en mostrar nuestra diversidad cultural y el liderazgo que en este sentido ejerce la Argentina en la región".
A cargo de Mariana Enríquez y Juan Diego Incardona, la mesa redonda irrumpió con un escenario que se ha impuesto en varias novelas en los últimos años: el conurbano bonaerense.
Oriunda de Lanús, Enríquez -autora de las novelas "Bajar es lo peor" y "Cómo desaparecer completamente"- sabe de lo que habla y de lo que escribe, empeñada en reflejar una búsqueda concentrada en contar lo que acontece en su lugar de origen con un lenguaje singular y nuevos ingredientes en su literatura, como es el terror.
De la misma manera, Incardona cuenta en un santiamén su biografía en las letras desde la novela que se remonta a 2007 con "Objetos maravillosos", "Villa Celina" ("una saga matancera -define ya que la acción transcurre en La Matanza, 2008), "El campito" (2009), "Rock barrial" (2010) y "Las estrellas federales", aún sin publicar.
Incardona recuerda que en el siglo XIX la periferia miraba el desierto, la llanura. "El romanticismo se relacionaba con la naturaleza, donde todo estaba en armonía, pero pronto esa melancolía iba a dejar paso al miedo en el horizonte".
"Se recortan puntas de lanza, el indio, el gaucho, luego el inmigrante, el cabecita negra, todos se prefiguran desde la periferia", subraya.
"La idea de cómo el conurbano sigue ocupando el temor del porteño, el conurbano no está ni en la ciudad ni en el campo.
Alrededor de él se produce una cultura, una historia y un mito particular. El conurbano -insiste Incardona- es la carne del espíritu, a la cual se le teme. Del Matadero a los Ocupas", menciona sobre un itinerario.
David Viñas -recuerda Incardona- "dijo que la literatura argentina se ha fundado en una violación".
A partir de estos conceptos, el escritor habla de un límite la General Paz y el afuera, "pero hoy hay varios conurbanos que se parecen a la ciudad y se proyectan".
Y aparecen los temas de religiosidad popular "traídos por paraguayos y bolivianos que se entremezclan con las leyendas, los cuentos de los aparecidos, macabros, al tiempo que curiosos porque son cuentos de campo", desgrana Enríquez.
"Estas historias encuentran un terreno fértil, con ellas crecemos", o con otras, ocultas que recién comienzan a hacerse visibles como los rituales de la religión afro, están presentes y no tienen todavía una voz en la literatura", reflexiona.
Con la desindustrialización, en los años 90 del primer cordón del conurbano "veo como Lanús, Gerli y Villa Alsina se desertifican. Es un vacío total con galpones abandonados que producen miedo y zonas fantasmas al lado del Riachuelo" Aparecen nuevas voces, nombra, Sergio Olguín, Cristian Alarcón... la voz del rock barrial. Las lenguas suena mestiza con los paraguayos y bolivianos, los lazos comunitarios del trabajo desaparecen y la voz del habitante de la periferia se pierde entre esas fábricas abandonadas.
Incardona menciona su libro "Villa Celina", permeable a estas situaciones "cuando el uno a uno hizo más barato importar que seguir produciendo en la Argentina".
Habla el escritor de esa época de padres que se suicidaban al perder el trabajo, y como ese vacío tuvo la necesidad de expresarse: "Surge un material simbólico, el teatro callejero, el rock y la periférica comienza a contarse a sí misma. Hay una poética muy fuerte del nombre propio".
El joven va del conurbano a la ciudad, los barrios de casas bajas, se confunden con los monoblocks y las villas, describe.
Enríquez compara a los escritores ingleses de los tiempos de Margaret Thatcher, resistencias similares a las nuestras, arriesga.
Y habla de las cicatrices de una ciudad, donde todavía se ven las huellas de los campos de concentración debajo de un puente o de la autopista "ese río negro que atraviesa y marca la ciudad" Las leyendas recrudecen, subraya Enríquez, y habla de los árboles que lloran frente a la Esma, "en realidad lloraban antes por un exceso de resina" y de los cuentos de terror que ahora escribe, siempre con esa intención de dejar al descubierto las cicatrices.
El autor de "Villa Celina" en la misma tónica alude a retomar el conurbano como paisaje, siempre cambiante, "como una fuerza telúrica que moldeaba y moldea la imaginación del viajero. Que produce una forma particular de relacionarse.
"En el primer cordón vos sabías muy bien cuando entrabas en un barrio u otro, donde se generaba una imaginación del terror diferente al miedo citadino de la inseguridad". Dice Enríquez y habla de leyendas que siguen teniendo plena vigencia, los últimos monstruos, como el hombre gato.
Son los días de la hibridez, "de buscar la belleza en el sulfato de cobre, en el skate, en distintos aspectos. Cuanto menos literatura tiene vale más", desliza.
Y sobre el final los temas se encima, las nuevas discriminaciones que ocultan a las viejas, los nuevos cultos que adquieren una gran visibilidad como la Virgen de Copacabana, catolicismo y cultura pagana, todo ligado a la música, a determinados deportes.
"La literatura se alimenta del imaginario político, social, lo modifica, lo esculpe. El Conurbano todavía no está escrito", remata Incardona, sacando ese lugar del inmovilismo, la cristalización y el estigma permanente.
Fuente:Telam
12 de Octubre
Programa Sur: un proyecto que trabaja para perdurar en el tiempo
Por Mora Cordeu, enviada especial
Un proyecto que trabaja para perdurar en el tiempo es el que esbozó la directora de Asuntos Culturales de la Cancillería Argentina, Magdalena Faillace, al referirse al programa Sur destinado a difundir nuestra literatura mediante subsidios a la traducción de autores nacionales.
En un lugar pintoresco, una carpa en el medio del patio que unifica los diferentes edificios del predio ferial con un aire de teatro improvisado, pero que en realidad es un lugar para comer un refrigerio, se desarrolló una mesa redonda que reunió además al editor Daniel Divinsky, el escritor Martín Kohan y uno de los integrantes del Comité de selección de los libros, Noé Jitric.
"Cuando comenzaron las tareas de Cofra -ente organizador de la participación de la Argentina como país invitado de honor en 2010 por la Feria de Frankfurt, la más importante del mundo en lo que hace a la venta de compra y venta de derechos de autor- nos ayudaron los editores a elegir el lanzamiento de este programa", contó Faillace al público que colmaba la cabaña, y entre los cuales se observaba la presencia de María Kodama, viuda de Borges.
El desafío era promover nuestra cultura en el exterior, resaltó la embajadora, "que completará el pabellón, las muestras artísticas, las intervenciones culturales desarrolladas durante ese año. Teníamos que dejar algo que fuera un capital permanente: esto representa el Programa Sur (Prosur), porque si el Estado no interactúa con la sociedad no existe".
"Aunque no me gusta la palabra éxito -apuntó- logramos algo democrático, que implicó la relación entre el Estado y el sector privado. Bajo este programa recibimos el pedido de las editoriales bajo el compromiso de que van editar en tal idioma, tantos ejemplares. En el comité discutimos, sobre el hecho de que no todas las obras presentadas tienen los mismos méritos y el mismo valor".
Los principios, relató Faillace, fueron modestos nos propusimos obtener unas cincuenta traducciones, pero cuando comenzó una relación estrecha con los organizadores de la Feria de Frankfurt, nos dimos cuenta que no había límites al programa. Que si fueran cien estaba bien y cuando los superamos había que seguir adelante".
Las 291 solicitudes de traducciones aprobadas abarcan a 237 autores argentinos -121 de los cuales aparecerán en diversas antologías- en 37 países.
Entre ellos figura Alemania con 60 títulos, Italia 33, Francia 22, Brasil 19, Estados Unidos 19, Reino Unido e Israel 14, Suiza, 12, Países Bajos 10; Bulgaria 9; Federación Rusa y Austria 7, República Checa, Rumania y Portugal 6, Egipto, Grecia y Polonia 5, Canadá y Ucrania 4, Vietnam 3, Tailandia, Malasia, Hungría, Georgia, Turquía, Croacia, y Serbia 2 y varios países con un libro.
Las traducciones se realizaron a 32 idiomas (al alemán 77 títulos, al inglés 37, al italiano 33, al portugués 24, al francés 23, al hebreo 14, al neerlandés 10, al búlgaro 9, al ruso 7, al checo y al rumano 6, al griego, árabe, polaco, ucraniano, vietnamita, croata, georgiano, húngaro, malayo, serbio, tailandés y al turco 2 y 1 al armenio, eslovaco, coreano, esloveno, japonés, macedonio, mandarín, noruego y sueco.
Entre otros hay 162 novelas, 25 de poesía, 23 libros de cuentos, 7 antologías (algunas de varios autores), 7 obras de dramaturgia, 7 de historietas, 7 ensayos histórico políticos, 6 ensayos, 5 novelas infanto-juveniles, 5 obras infantiles, 3 autobiografías (testimonios y diarios) 3 de literatura fantástica, 3 de ficción periodística, 3 relatos cortos, 2 crónicas de viajes, 2 de divulgación, 1 de cultura culinaria, y uno de memorias.
"Este programa nos deparó alegría porque muchos editores que trabajan para promover la literatura de autores nuestros, nos dijeron que hubo un efecto contagioso. Y que aparte de los 291 que llevamos nosotros, ellos tradujeron alrededor de 200", puntualizó.
Faillace remarcó que les llevó un tiempo convertir este programa en una política permanente del Estado Nacional "y esto de verdad se lo debemos a la presidenta Cristina Fernández de Kirchner".
"Nunca se nos restó nada y esto tiene que ver con una directiva absolutamente precisa de nuestra Presidenta sobre la proyección de nuestra cultura en el exterior, y ahí no puede haber recortes ni restricciones", aseveró.
"La mayoría de las obras corresponden a autores vivos, así como no faltan los clásicos, ni tampoco escritores del interior del país", afirmó y dijo que ya hay 100 títulos presupuestados para 2011.
Después de este desfile de cifras, Faillace le cedió el turno a Noé, integrante del comité editor de selección de libros, quien en una breve intervención hizo eje en la importancia que tiene la traducción: "Y que tuvo siempre para la literatura argentina".
"La traducción -manifestó- son textos y modos de ver la cultura. Hasta las expresiones más autóctonas, están lejos de la trascendencia que pudieron tener las traducciones para la literatura argentina. Basta recordar que `El contrato social` es el inspirador de la revolución de Mayo".
"Había que presentar obras extranjeras como el alimento natural en la cultura local. Estuvo presente en la época del romanticismo. Y a partir de los 80 se sistematiza la producción, y los grandes diarios comienzan a publicar folletines de obras europeas. Y esto crece cuando se empieza a elegir la producción de lo extranjero", dijo Noé y destacó el cambio de perspectiva que significó el apoyo estatal para esta iniciativa.
Noé Jitrik rememoró cómo los editores pugnaron por años por incrementar la difusión de la literatura argentina a través de las traducciones. Un corpus importante que abarca muchas materias. Puso como ejemplo a Brasil -que será invitado de honor en la feria en 2013- "y ya anunciaron que asignaron un presupuesto de 1 millón de dólares para subvenciones".
Por último, Martín Kohan aludió, entre otros temas, al abandono del intelectual por el Estado. "Pero también hay una actitud más que provechosa de que el Estado se interese por lo que están haciendo los ensayistas, novelistas, dramaturgos, filósofos, poetas. Hay una utopía de una ecuación perfecta: ni la cooptación, ni el abandono; ni la pérdida de la independencia crítica, ni la completa marginación de cualquier forma de respaldo institucional".
Fuente:Telam
13 de Octubre
Patagonia en la Feria de Frankfurt
Una región instalada en el imaginario, no en la geografía
Por Mora Cordeu
La voz grave de Osvaldo Bayer marca el tono de la mesa redonda sobre la Patagonia realizada en el Auditorium del stand argentino de la 63a edición de la Feria del Libro de Frankfurt, sobre un tema que convoca a los escritores Leopoldo Brizuela, Mempo Giardinelli, María Rosa Lojo, además del investigador de tantos hechos acontecidos en ese mítico, histórico y lejano sur.
"Más de dos millones de hectáreas de la Patagonia en manos de 137 estancieros ingleses", lee Bayer y mecha datos de su propia cosecha de una investigación que le llevó años para documentar: los sucesivos expolios, la dominación de los pueblos originarios por parte de los nuevos dueños de la tierra, cuando el territorio del país apenas alcanzaba al sur de la provincia de Buenos Aires.
Y entre esos dueños, hay nombres que no se olvidan como Mauricio Braun, cuya estancia "Coy-Aike" cerca del río Coyle, en Santa Cruz, de cien mil hectáreas y la lista continúa, interminable.
Y surge la campaña de Julio Argentino Roca entre 1879 y 1884 y la casi extinción de una raza legendaria, los tehuelches, nunca reconocidos por el invasor.
E interviene María Rosa Lojo, para subrayar que "la Argentina moderna y muy bárbara que se constituye despues de Roca, es como un enclave blanco en América del Sur.
Lojo menciona los textos literarios de las escritoras Rosa Guerra y Eduarda Mansilla, que cuentan de la cautiva Lucía Miranda, incluido en la crónica llamada "La Argentina manuscrita", de 1612, de Ruy Díaz de Guzmám y que es objeto de una larga serie de reelaboraciones historiográficas y literarias hasta 1929".
Una historia trágica entre un cacique timbú y la española Miranda, esposa de un militar español. "Lejos de presentar una sociedad `blanca` Ruz Díaz se refiere (elogiosamente al mestizaje) del que él mismo había nacido.
El acento de la desaparición de los indígenas "toca más lo cultural ya que el punto de partida es un análisis reconstructivo de la historia", analiza Lojo.
Desde otro ángulo, más imaginario que histórico, Leopoldo Brizuela habla de la Paragonia como un territorio de la imaginación, "algo que sucedió con otras regiones europeas como Portugal. Yo lo elijo como un imaginario que invento con una intención política", observa.
Y menciona tres momentos: "La posible guerra con Chile, la guerra de las Malvinas y la reivindicación en 1980 que hizo la dictadura militar de la campaña del Desierto, a cien años, donde el genocidio y la guerrilla se aúnan. Más que escribir sobre hechos reales se escribe sobre imaginarios", desliza sobre "la incapacidad de contar el genocidio de la dictadura".
"Fuegia", de Eduardo Belgrano Rawson, ese libro "cuando lo leí, recuerda Brizuela "fue como un deslumbramiento". "Ahí empecé a profundizar sobre la historia de la Patagonia. Y las metáforas sobre los años 90 y el genocidio de los 70, también contado por Belgrano Rawson desde el genocidio indígena".
"Recién en el 2003 empecé a ir a la Patagonia -relata Brizuela- y conocí gente ahí que vive con un imaginario tan irreal como el mío, con un fanatismo por subrayar la propia identidad. Mi Patagonia tiene una impronta muy literaria".
También, la Patagonia de Mempo Giardinelli comenzó como un sueño, "un viaje a Ushuaia para comenzar a ver esa Argentina que me costaba imaginar".
Mempo habla de la impresión que le causó la lectura de "Los dueños de la tierra", de David Viñas, el impacto que tuvo con "La Patagonia rebelde" y otros libros que leyó de adulto como "Memorias de carrero patagónico, menciona el chaqueño y agrega otro texto de su amigo Luis Sepúlveda: "Patagonia Express".
Recordando lecturas, nombra "Viento nocturno" de Saint Exupery y otro escrito con un amigo ("Final de novela en Patagonia") acerca de un viaje que ambos hicieron en un viejo ford fiesta por la región. "No es un libro cordial, me encontré con la Patagonia postmenemista", define el escritor.
Fuente:Telam
14 de Octubre
Literatura y periodismo en la mesa "Ver, escribir, dar cuenta"
Por Mora Cordeu
Las escritoras Hebe Uhart y Mariana Enriquez protagonizaron una mesa redonda "Ver, escribir, dar cuenta", en el stand argentino de la Feria del Libro de Frankfurt, donde la gente se acerca interesada por los libros y la posibilidad de hacer negocios, y algunos, sobre todo latinoamericanos.
Hebe Uhart
Mariana Enriquez
Escuchan a autores de nuestro país abordar distintos temas sobre la literatura nacional.En este caso puntual, las panelistas no tardaron en sugestionar al público: "En general se cree que lo difícil es el acto de escribir. Lo más difícil es el proceso de formación de una mirada particular, ya que las dificultades para mirar con cierta independencia son mucho mayores que las del hecho mismo de escribir", disparó certera Uhart al centro del asunto a tratar.
Y continúo: "Una vez que un personaje, paisaje, estado de animo, están mirados con la suficiente atención, escribir suele tener ciertas dificultades solucionables", afirmó.
Todo el mundo -aclaró- nace con una mirada particular en relación a las cosas, pero el problema radica en no desarrollarla.
"Por falta de atención sostenida, ante lo que no nos interesa por falta de valentía y por la tiranía del deber ser".
Uhart citó a Eduardo Mansilla que en su libro "Una excursión a los indios ranqueles" habla de un bautismo de un indiecita donde él era el padrino y su atención fue capturada por el vestidito que llevaba la nena.
"Mansilla era general y escritor, pero esa atención al vestidito es la propia de un escritor", graficó.
Y volviendo sobre sí misma, Hebe contó que desde hace algunos años me interesa "la conducta de los monos, sobre todo la de los chimpancés". La pregunta de sus amigos fue si iba a llevar al zoológico algún chico. "Parece raro que un adulto vaya solo al zoo", deslizó y dijo todo lo que había aprendido al observar, nada más.
Al referirse a la tiranía del deber ser, Uhart la describió unida a la "complacencia de pertenecer a una clase social o aun sector culto". Algo que le impide "registrar a personas que están en otro sector social que no sea el mío".
"Yo escribo solo sobre lo que me llama la atención. Miro más las personas y sus huellas que los paisajes y las plantas. A mi solo me gustan los paisajes cuando me agarran desprevenida, distraída", dijo y puso ejemplos de observaciones similares hechas por Simone Weil, Felisberto Hernández y otros.
Otra cosa que conspira contra la escritura es la vanidad y citó una frase de Weil: "El triunfo del arte, cualquiera sea este, es que conduce a otra cosa que así mismo".
Hablo también, Uhart, del final de los cuentos, y aseguró que "es como cualquier despedida". "Da trabajo. No hay que escribir el final como esa visita que después de despedirse nos toca timbre para decirnos una cosita. El final para mi debe ser inexorable".
Acerca de dar testimonio, la escritora mencionó un viaje con una señora peruana de traje sastre y taco finitos, mestiza, que iba con un nene y le explicó todo lo de Bolivia -Hebe era muy joven y no le interesaba la política- y le dijo a su hijo (llevaba pollo) `comé hijito` y cruzaron la frontera y gritó `Viva Bolivia`. De eso no me olvido más, remata.
Según Mariana Enriquez, para ver, escribir, dar cuenta, hay que tener el ojo de una gran cronista. Porque ese es el trabajo de periodista, afirmó, antes de abordar una mixtura muy transitada: el periodismo y la literatura.
"Como parte de una experiencia personal -confesó- siempre en el diario Página 12- he notado que en los escritores hay un cierto pedido de disculpas, como cierta impureza que toca una figura idealizada".
Sin embargo, Enriquez recordó que el periodismo en la Argentina es un oficio que han elegido muchos escritores. El ejemplo de Arlt, Walsh, Tomás Martínez, José Bianco", nombró y sostuvo que la "clínica de una redacción es una clínica de aprendizaje, en el que también se vive un clima de tradición".
Con el entrenamiento del periodismo, analizó Enriquez, "ningún escritor pasa por la página en blanco -la discusión de que es literatura es otra cosa- pero no todos los escritores leen a sus pares. Los periodistas, en cambio, conocen la voz de sus contemporáneos".
Cuando se entreveran los oficios, la escritora advierte riesgos: "El exceso de referencia" (literatura del dato), de la cual la literatura contemporánea esta llena. Y ejemplifica con McEwan, "que escribió una novela haciendo centro en las torres gemelas".
En otros casos, como Rodrigo Fresán, "se da un proceso de hibridación consciente, esa mezcla de su literatura con el mundo pop, algo que también hacía Manuel Puig".
Enriquez introduce el concepto de periodismo narrativo para hablar de los libros de Leila Guerriero, como "Frutos extraños".
Ella da un panorama muy claro de personajes de los últimos años: desde un imitador de Freddy Mercury -un ensayo sobre el original y la copia- hasta un seguimiento del matarife y dirigente político Alberto Samid por la Matanza y un ajustado perfil del escritor Abel Posse.
En una nota que le hace a Posse, observa Enriquez, "este habla del suicidio del hijo y transmite sin decirlo una cierta frialdad y ferocidad" reflejada en la entrevista.
No sé como se enseña a escribir, interpela Mariana, y se contesta que es mejor leer cualquier libro de John Irving que hacer un taller de escritura". Así como un editor le dijo que era mejor leer novelas policiales para saber como se arma una trama.
El periodismo y la literatura se cruzan mucho -reitera para finalizar- y recomienda algunos libros: "Si me queres quereme transa", de Cristian Alarcón", "Los suicidas del fin del mundo", de Leila Guerriero, y "La Comuna de Buenos Aires", de María Moreno.
Fuente:Telam
14 de Octubre
Homenajearon a Sabato y reivindicaron su obra en la Feria del Libro de Frankfurt
Enviada especial
Bajo el título "Ernesto Sabato: el escritor y sus fantasmas", la embajadora Magdalena Faillace, el poeta Hugo Mujica y la escritora María Rosa Lojo rindieron tributo al autor de "El túnel" y "Sobre héroes y tumbas", entre otras obras, en el auditorio del stand argentino de la Feria del Libro de Frankfurt.
Y agregó que "después de dar clases en la universidad por años siento que no se le ha hecho suficiente justicia a la obra de Sabato".
Faillace se refirió a la coherencia ética del escritor: "Fue un intelectual que tuvo una trayectoria y una fidelidad a sí mismo".
También se extendió en ponderar lo que sintetizó como la "claridad que tuvo Sabato en sus textos científicos y las oscuridades y luces de su literatura. Una literatura donde se reflejaban los fantasmas y las obsesiones del escritor".
Y describió imágenes de "El Túnel", "de cómo se dio el tránsito de una novela cerrada a la obra múltiple que se desborda en sus distintos niveles de relato, al mencionar "Sobre héroes y tumbas".
Antes de profundizar en esta novela, de la que hizo una verdadera exégesis, Faillace rescató el papel desarrollado por Sabato al presidir la Conadep, luego de la dictadura militar.
Por su parte, Hugo Mujica hizo hincapié en la figura del autor como persona y recordó que cuando iba al colegio leía "Sobre héroes y tumbas", muchas veces se "rateaba para buscar los edificios que describe la novela".
Para Mujica, "Sobre héroes y tumbas", es una novela iniciática, "uno de esos libros que enseñan a dar el paso de la alienación a la reconciliación, del paraíso perdido, al paraíso recobrado".
Contó el poeta una anécdota de cuando lo conoció a través de Elvira González Fraga y fueron a tomar un café. "Sabato comenzó a despotricar contra los ciegos y los teólogos, mientras Elvira le daba patadas debajo de la mesa para que se callara: "Mi padre es ciego y yo soy teólogo", le dijo Mujica.
Desde aquel momento se hicieron grandes amigos, una circunstancia que no opacó la mirada de Mujica sobre Sabato: "Era contradictorio hasta la insoportabilidad. Vivía en permanente conflicto con él y la realidad que lo rodeaba", consideró.
"Escribió con sangre, nunca con tinta y murió como un hombre público, no como un escritor -remarcó- y tuvo una relación de conflicto del bien y del mal".
María Rosa Lojo tildó a la obra de Sabato de compleja y cómo se puede ver en ella una exacerbación de las contradicciones.
"`Uno y el universo` lo instaló en el campo de la literatura argentina como un ensayista".
En una exposición académica, la especialista habló de algunas particularidades de la literatura de Sabato como "la alianza de los extremos" o la "surrealista coincidencia de los opuestos", además de considerarlo "un artista muy influido por la vanguardia".
Lojo salió a defender "Abbadón el exterminador", su novela más criticada, a la que calificó de "una aventura llena de vértigo", y señaló que en sus obras se aúnan "la profecía y la memoria".
Resaltó la habilidad del escritor "de contar una historia que se vuelve a contar en otras dentro de ella" y de "la huella de los románticos alemanes, presente en todos sus libros".
También aludió Lojo a "un saber nocturno que perfora lo abismal" en las ficciones de Sabato y como la poética sabatiana se adentra en la dicotomía "civilización y barbarie".
Según la estudiosa de Sabato, "Abbadón... anticipa la postmodernidad y dejó bien en claro cómo su inclinación por la oscuridad en su escritura pone de manifiesto siempre un vínculo transparente.
Términos contrapuestos como espanto y placer, aparecieron a lo largo de la exposición de María Rosa Lojo que completó un sentido homenaje al escritor, fallecido el 30 de abril pasado, poco antes de cumplir cien años.
Un homenaje que fue seguido en el stand con un auditorio lleno y gente en el pasillo, la mayoría de países latinoamericanos vecinos del sector, que se acercaron a escuchar las distintas ponencias.
Fuente:Telam
15 de Octubre
Argentina y Brasil en pos de la integración cultural en Frankfurt
Por Mora Cordeu
La directora de Asuntos Culturales de la Cancillería Argentina, Magdalena Faillace, y el presidente de la brasileña Fundación Biblioteca Nacional, Galeno Amorin, se reunieron en el marco de la 63a edición de la Feria del Libro de Frankfurt para dialogar sobre la integración cultural de ambos países.
A la reunión asistió el director de la Feria, Juergen Boss, y representantes de Islandia -invitada de honor de esta edición-, Nueva Zelanda que lo será el año que viene y Brasil, en el 2013.
La experiencia argentina ha incentivado el interés de países latinoamericanos en participar de ese acontecimiento anual en el mundo bibliográfico, y que sirve de apertura para la difusión de las literaturas de los países invitados, por lo cual Brasil que participará en 2013 mantiene actualmente conversaciones con Argentina sobre lo qué implica esta distinción, además de comenzar a pensar en actividades conjuntas superadoras del marco estricto de la Feria.
"Como verán la diversidad cultural de la reunión fue enorme", dijo Faillace al dar comienzo a una mesa redonda sobre la literatura de ambos países a cargo de las escritoras Hebe Uhart y Carola Saavedra.
En el Auditorium del stand argentino, que ha pasado a formar parte del paisaje en un sector donde lo que más se ve son a los editores de distintos países vendiendo y comprando derechos de autor, las dos escritoras intercambiaron experiencias y puntos de vista.
"En realidad yo nací en Chile, pero a los 3 años me fui a Brasil y me considero una escritora de ese país, aunque también viví unos años en Frankfurt. Soy escritora brasileña con una conexión muy fuerte con la literatura argentina", afirmó.
Carola Saavedra es autora de la colección de cuentos "Desde el exterior" y las novelas "Todos los martes (2007), "Flores azules" (2008), elegida como la mejor novela de la Asociación Paulista de Críticos de Arte y "Paisaje con dromedario (2010), ganador de la Rachel de Queiroz, premio como joven escritor.
Saavedra instó a que es necesario "mirar más a nuestros vecinos que al otro lado del Atlántico. Latinoamérica tiene algo que ofrecer muy típico y muy suyo".
Hebe Uhart, autora entre otros libros de "Camilo asciende" y "Señorita", contó que estuvo varias veces en Brasil y que admiraba su literatura, sobre todo le gustaba Machado de Assis (1839-1908), Carlos Drummond de Andrade (1902-1987), Rubem Braga (1913-1990) o Clarise Lispector (1920-1977).
A juicio de Saavedra, la literatura de Macedonio Fernández -uno de sus autores argentinos favoritos- instaura una especie de tradición, "grandes escritores que son como islas, no dejan seguidores. El solo empieza a escribir por Borges, es casi como una construcción borgeana".
Piglia genera mucha adhesión entre los lectores brasileños, comentó la escritora, y dijo que hace poco dio una conferencia en San Pablo y otra en Río de Janeiro donde hizo una conexión entre la universidad y lo que escribe un escritor.
"El hace esa conexión de una forma brillante -subrayó- y es algo que se da ahora de una forma muy fuerte".
Para Uhart, la literatura argentina es mucho mas dura que la brasileña. "Las crónicas de autores de Brasil -señaló- son crónicas de diseños, de situaciones, de momentos, son más permisivas".
Hebe mencionó a Fray Mocho y Arlt -"siempre duro en la calificación"-. Y estableció una continuidad en el tango, "también muchas veces con letras descalificadoras".
Y volvió a poner el acento en el sarcasmo y en esa dureza del lenguaje porteño".
Más adelante, en el transcurso de la charla, Saavedra comparó el efecto Cortázar con el efecto Bolaño.
"Bolaño es el Cortázar actual en Brasil Y el chileno llegó primero a los Estados Unidos. Recién ahí los brasileños lo tomamos en cuenta".
La brasileña refirió un prurito que distingue a Brasil del resto de América latina: "Como si fuéramos algo distinto. Es cierto que nosotros hablamos el portugués pero, por ejemplo, en Europa la literatura francesa y la alemana tienen una unión fuertísima y son dos lenguas distintas".
De sus autores argentinos favoritos, Saavedra habló de Cesar Aira, Juan José Saer, además de los ya nombrados Borges y Macedonio.
Alguien del público preguntó cuál era el apoyo que brindaba el gobierno a la difusión de la literatura brasileña.
"Tenemos una mayor inversión en políticas permanentes.
Proyectos de ayuda a los autores, para que los traductores viajen a Brasil. También que los periódicos promuevan la literatura nuestra a otros medios", enumeró un representante de la Fundación Biblioteca Nacional.
Faillace explicó los alcances del Proyecto Sur de ayuda a las traducciones que nació en 2009, con motivo de ser nombrada la Argentina, país invitado de honor al año siguiente.
Y da números de los alcances obtenidos hasta ahora con este programa: casi 400 títulos, 250 escritores, 37 países, 32 idiomas.
"La feria del Libro de Frankfurt fue un catalizador, ayuda mucho", dijo la embajadora, ante el asentimiento de los brasileños.
Fuente:Telam
UNA LITERATURA CLANDESTINA QUE SOBREVIVE A LA MUERTE
16 de octubre de 2011
El escritor Osvaldo Bayer subrayó como recurrente el tema de la literatura y memoria, en la Feria del Libro de Frankfurt, "en todas las actividades realizadas" y "los efectos e influencias que ha tenido este cruce en la memoria colectiva" tanto de los alemanes como de los argentinos.
¿Que nos pasó?, interpeló el escritor en una mesa redonda, justamente con ese título, acerca de las razones esgrimidas a través de las palabras que condujeron a la última dictadura militar. Y comenzó desde el principio a historiar cómo quedó trunco el ideario de libertad de la Revolución de Mayo.
El autor de "La Patagonia trágica" repasó episodios como la Asamblea del año 1813, que abolió la esclavitud; Belgrano y su campaña al Paraguay donde devolvió la libertad a los pueblos originarios, y la actitud de Juan José Castelli que hizo lo mismo al llegar al Alto Perú.
Estos episodios, recordó el investigador, se ensombrecen con la orden que el presidente Bernardino Rivadavia le dio al militar Federico Rauch para exterminar a los indios ranqueles, "todo profusamente documentado en el Archivo General de la Nación".
Y siguió desgranando Bayer las responsabilidades que tuvieron muchos hombres de la historia, sobre todo en la Campaña del Desierto, "realizada para apoderarse de las tierras y hacer prisioneros a los indios como mano de obra esclava en las estancias".
Figuras controvertidas de la época "como Domingo Faustino Sarmiento que le dijo a Mitre que le cortara la cabeza al Chacho Peñaloza, el caudillo riojano, para exhibirla. La crueldad argentina -murmura- para continuar con otros hechos y personajes cuya noción de progreso no incluía la supervivencia de los indígenas".
Luego de contextualizar históricamente el tema de la memoria, el escritor Eduardo Sacheri cambió el ángulo de la reflexión para meterse de lleno en la literatura y su tratamiento de la memoria.
Citó a su par colombiana Laura Restrepo que en su libro "Demasiados héroes" dice: "Pasado que no ha sido amansado con palabras no es memoria es acechanza".
"Quienes escribimos desde la ficción -apuntó Sacheri- no apelamos directamente a la memoria, sin embargo esta subyace. Es habitual que alguien pregunte ¿Es una historia real?".
El relato narrativo, según el escritor, "intenta de alguna manera un orden del pasado, lo data de un sentido. Y esa construcción de la memoria desde la ficción es tangente, no tiene acceso directo", reiteró.
El autor de la novela "La pregunta de sus ojos", llevada al cine por Juan José Campanella y que recibiera el Oscar a la mejor película extranjera, confesó que ese acceso lateral, chanfleado "resulta menos doloroso, es volver a un pasado mintiendo para que no duela tanto".
Y para ejemplificar nombró dos películas, "La historia oficial" (1985), dirigida por Luis Puenzo, y "El secreto de sus ojos" (2009): "El impacto social que suscitaron hicieron que muchos fueran a verlas".
La primera de ellas, especificó Sacheri, "intenta desmontar una memoria mentirosa, que toca uno de los núcleos trágicos de la dictadura militar, como es la apropiación de bebes y la sustitución de la identidad".
"En `El secreto....` hay una memoria que busca revisar actos u omisiones cuando gente común es golpeada lateralmente por esa tragedia. La memoria privada. Qué fue de nosotros en aquellos años, un modo de enfrentar con palabras las domésticas acechanzas de nuestras vidas íntimas".
Juan Diego Incardona, el tercer integrante de esta mesa redonda que concitó el interés de un público diverso, centró su exposición en la historia de una persona durante la dictadura militar.
"Una persona que condensa esa terrible lista de desaparecidos y por otro lado una expresión de la literatura argentina" que pugna por emerger hasta en un campo de concentración como lo fue la ESMA.
Le decían Loli, se llamaba Ana María Ponce y tenía 26 años cuando fue secuestrada en 1977 y llevada a la entonces Escuela Mecánica de la Armada, donde pasaron 5.000 personas.
Como coordinador del área de literatura de la Fundación Madres de Plaza de Mayo, Incardona sintió curiosidad al escuchar esta historia. "Me preguntaba quién podía vivir ahí y escribir".
"Ella se arregló para esconder sus poemas y un cuento para salvar esos textos, cuando ya sabía que la iban a matar", relató.
En sus poemas, "ella se imagina liberada, tematiza la imposibilidad de recordar algunas cosas `¿Quiero saber cómo se ve el mundo? (...) Hace tanto que no sueño la inasible sensación de la libertad`".
A Incardona se le hace difícil, incluso cuando lee la última parte del único cuento que sobrevivió. Y apura los momentos finales: "Ella escondió todos los papeles debajo de la ropa en un canasto y cuando se la llevaban con una excusa se las arreglo para dárselos a una compañera, Graciela Daleo".
Las palabras de Loli cierran de por sí una mesa excedida en horario y en emociones. Un público silencioso fue abandonando poco a poco la sala.
Fuente:Telam
En la Facultad de Periodismo
Presentaron un archivo y una maestría en Derechos Humanos
En el acto estuvieron presentes Madres y Abuelas de Plaza de Mayo
15.10.2011
Casi en el mismo instante en que se escuchaba decir en Comodoro Py al genocida Astiz que se sentía un “perseguido político” en la Facultad de Periodismo y Comunicación Social de La Plata las palabras de todos los que disertaron ayer se dedicaron a hacer memoria por los 30 mil perseguidos políticos en manos de la última dictadura militar, que fueron desaparecidos por “pensar que el mundo era injusto y debía ser cambiado”. Así los definió el subsecretario de Derechos Humanos de la Nación, Martín Gras, uno de quienes acudió junto al titular de la cartera, Eduardo Luis Duhalde; la decana Florencia Saintout y a la presidenta de Madres de Plaza de Mayo, Estela de Carlotto, a la presentación de la primera Maestría en Comunicación y Derechos Humanos que abrirá en esa casa de estudios en 2012. Lo que dejó en claro el encuentro es que de ese contrapunto que se dio en un mismo tiempo pero difirió en el espacio, el discurso que promete crecer, con la apertura de ofertas académicas así, es el del ejercicio de la memoria.
En rigor, la cita de ayer tuvo dos presentaciones en un mismo acto: también se exhibió parte del Archivo Documental Público “Madres y Abuelas de Plaza de Mayo. Relatos del Futuro”, un trabajo que demandó un año de trabajo para los docentes de la cátedra de Audiovisual I. En el mismo, se volcaron los relatos de entrevistas realizadas a 26 madres y abuelas víctimas del terrorismo de Estado entre 1976 y 1983, oriundas de La Plata y gran La Plata. Entre las luchadoras consultadas están las más conocidas, como Estela o Adelina de Alaye, y otras que nunca habían sido entrevistadas aún, como Ángela Amuchástegui Messina, quien falleció un mes después de brindar su testimonio para el archivo.
“El objetivo que nos propusimos fue el de crear un archivo en pos de la memoria colectiva, compilar relatos de las historias de vida de Madres y Abuelas, y hablar de su activismo en Derechos Humanos”, explicó el director del proyecto, Jorge Jaunarena. En la presentación estuvieron también ellas, quienes brindaron su testimonio. “Nos encontramos con su calidez, humildad y ejemplos de vida”, aseguró Jaunarena, y el auditorio estalló en una ovación para con las Madres.
“Todos los argentinos somos hijos de las Madres y Abuelas”, dijo, a su turno, el titular de Derechos Humanos, Eduardo Luis Duhalde. “Ellas crearon un modelo comunicacional alternativo, que moldearon mientras tenían clausurada la información pública, cuando ocuparon la plaza, cuando resistieron en silencio demostrando la política oculta del terrorismo de Estado, que mataba”, señaló. Duhalde referenció a las Madres como símbolo internacional de lucha, que nunca descansaron en esa búsqueda de métodos de comunicación alternativos, creando también estructuras como Teatro por la Identidad o las series.
Estela de Carlotto remarcó que sus logros son los de toda la sociedad. “La universidad es, por excelencia, el lugar de lucha”, reflexionó la activista, destacando: “Estamos en una primavera política, estas señoras tenemos el corazón caliente y años de aprendizaje que indican que no deben volver a pasar cosas aberrantes, que siempre tiene que ser nunca más”.
Por último, Alejandro Kaufman, futuro docente de la flamante maestría, reflexionó sobre los medios hegemónicos como legado de la Dictadura. “La situación actual me recuerda el cuento del juicio salomónico, en el que no se sabe a quién creerle de dos madres que se disputan a un hijo que dicen que es suyo. Salomón propone cortar al bebé en dos para repartirlo, y la verdadera madre no acepta que rompan a su bebé. En Argentina, esto se traduce en que los que quieren a los derechos humanos no los quiebran: Clarín, con su sistemática agresión a los derechos humanos, intenta un retorno moral a la dictadura”, entendió. “La memoria es resignificar, no borrar. Lo que se olvida se repite”, concluyó diciendo Duhalde.
Textuales
"Los esfuerzos por saber de nuestros hijos innovaba diariamente, y cuando nos dimos cuenta, pasamos años de lucha.” Adelina de Alaye - Presidenta Madres La Plata
"Los monopolios en el área comunicacional no hacen más que distorsionar la realidad social.” Eduardo Luis Duhalde - Secretario de DDHH
Fuente:Diagonales
ARQUITECTURA
13 de Octubre
Visita de Josep María Montaner
Resurge lo social en la arquitectura de América Latina
Por Mercedes Ezquiaga
La arquitectura en América latina experimenta “un resurgir de la preocupación social”, afirmó el prestigioso teórico catalán Josep María Montaner, de visita en Buenos Aires para participar de la Bienal Internacional de Arquitectura que se desarrolla en el Centro Cultural Recoleta hasta el 30 de octubre.
Este docente y crítico español abocado a la investigación, se refirió en una entrevista con Télam a la responsabilidad social en el trazado urbano como una cuestión clave de la arquitectura contemporánea, concepto que desarrolla en su más flamante libro “Arquitectura y política”, que lanzó la prestigiosa editorial Gustavo Gili.
"Siempre hubo momentos de la historia en que la arquitectura puso en primer lugar lo social, por ejemplo con las vanguardias artísticas del siglo XIX, luego en la posguerra, volvió a surgir en los años 60 con el marxismo en Latinoamérica y Europa. Y después del despilfarro que hubo desde los 80, con el posmodernismo, ahora vuelve a resurgir”, dijo Montaner.
En el libro que lleva por subtítulo “Ensayos para mundos alternativos”, el autor y docente de la Escuela de Arquitectura de Barcelona desarrolla junto a la argentina Zaida Muxí -su colega y esposa- el recorrido histórico que narra el papel social de los arquitectos y urbanistas hasta la actual era de la globalización.
“Esto comenzó con las generaciones jóvenes. Se ve un aumento de los estudiantes más concientes y críticos. Hay equipos de cooperación que hacen un trabajo colectivo, menos individual, lo cual no significa que no haya quienes solo piensan en ganar dinero y prestigio o construir para ricos, pero no deja de haber una tendencia a la preocupación social”, agregó.
Autor de 35 libros como “Arquitectura y crítica” o “Después del movimiento moderno”, Montaner aseguró que la responsabilidad social va variando: “hoy también se piensa en qué materiales se utilizan, qué fuentes de energía, cómo contaminar menos. Asimismo, la responsabilidad social incluye una gran crítica a las urbanizaciones cerradas, los country”, explicó.
Un tema clave al que Montaner ha dedicado numerosas investigaciones es la falta de viviendas: “un problema de las sociedades desarrolladas, de las ciudades que más crecen, por caso las villas miseria en Argentina. Para las clases populares es difícil acceder a una vivienda y construyen en urbanizaciones marginales, viven en condiciones inadecuadas”.
“Es responsabilidad de todos los sectores sociales, y aunque al final es la política, la administración y los gobiernos, quien lo lleva adelante, es importante el trabajo de concientización de los arquitectos, porque hacen infraestructura, o sistemas de transporte, o espacios públicos o mobiliario urbano, que le acaban dando la forma física al lugar donde la gente vive”.
Sobre nuestra arquitectura, señaló que en Buenos Aires “la construcción es muy buena, de calidad. Muchos jóvenes arquitectos de Europa están viniendo a la Argentina porque la formación en las escuelas aquí es muy buena. La cultura arquitectónica siempre ha sido muy avanzada y tiene muchos recursos. Muchos arquitectos argentinos son muy reconocidos en el mundo”.
Por último, el arquitecto se refirió a “uno de los retos que enfrentan hoy las ciudades históricas que atraen turistas: cómo sacar partido de eso, sin que el turismo arrase la ciudad, la diluya, la homogenice y se convierta en algo falso, en un parque temático, como por ejemplo Williamsburg, una ciudad norteamericana que se representa como si estuviera en el siglo XVIII”.
“Esto se da en todas las grandes ciudades, en Buenos Aires se da en Caminito, en La Boca, son partes que están tematizadas. A algunas ciudades europeas las han casi embalsamado, Venecia o Florencia son como museos. Esto ocurre porque el turismo tiene mucha fuerza y es la fuente de ingreso más grande de muchas ciudades”, explicó.
“Si algo se vuelve demasiado turístico, deja de ser auténtico. La paradoja -advirtió- es que en el mundo global todo tiende a parecerse, todo se publicita igual, las franquicias están en todos lados, pero también es decepcionante, al final, cuando una ciudad histórica no tiene algo propio, tampoco puede competir en el mundo global, porque se busca lo diferente”.
“Los que pierden sus propias características en el mundo global pierden interés, aunque lo global tiende a homogeneizar. En ese sentido, la globalización es fatal”, opinó.
Fuente:Telam
TEATRO
BARCELONA
Argentina presentó un drama lleno de humanidad y política
11.10.2011
Interpretando la pieza “Hermanas siamesas”, la Escuela Municipal de Teatro de Oncativo hizo valer su invitación al XXXVI Festival Internacional de Teatro de Oriente.
Por Martín Carbonell Salas
Barcelona / Anzoátegui.- Corre el año 1977 en el República Argentina. Dos hermanas -ya de cierta edad- viven aparentemente una vida normal en una misma casa. Sin embargo, entre ellas se teje una enredada trama de intereses, drama y situaciones políticas, propias de esa convulsionada época en el gigante austral.
Esta madeja de elementos históricos y ficticios integran la compleja historia de “Hermanas siamesas”, la oscura propuesta escénica con la que la Escuela Municipal de Teatro de Oncativo (proveniente de Argentina), participó en la XXXVI edición del Festival Internacional de Teatro de Oriente.
Las dos damas toman parte en la denominada “Operación claridad” (operativo implementado por la junta militar argentina de 1976), actividad clandestina donde algunos civiles, asociados con las acciones del golpe de estado militar, se infiltraban en diferentes estratos de la vida de los ciudadanos detectando casos “peligrosos” (educativos y culturales) que alterarán el “orden” impuesto por la dictadura.
Densa trama
La sala Jesús Márquez recibió con aplausos las dos funciones de esta agrupación, nativa de la provincia de Córdova, que trajo a la vida un guión de Mariana Trajtemberg, dirigido por Mario Arietto.
“Una” (encarnada por Susana Loos), sufre agorafobia (miedo a los espacios abiertos). Pasa su tiempo tejiendo ropa para bebé, redacta listas negras que entrega al gobierno y manipula la relación con su inseparable hermana.
La “Otra” (Nélida Pontte) es menor, e incapaz de tomar decisiones por sí misma. Durante su tiempo libre toca un violonchelo, va y viene trayendo información sobre la vida en un barrio de Buenos Aires.
Durante el desarrollo de la pieza, los hechos y sus acciones envuelven a las dos protagonistas en sus miedos, penas y en la no realización de sus vidas, por estar sometidas al castigo constante de vender a sus coterráneos. El destino les juega una mala pasada y una fuga de gas doméstico acaba con sus existencias en las llamas del incendio que pone fin a la acción.
Fuente:ElTiempo.com
13 de Octubre
Dirigida por Manuel Vicente, "El partener" recorre el país
La obra "El partener", de Mauricio Kartun, con dirección de Manuel Vicente y actuaciones de Juan Palomino, Silvina Bosco y Rodrigo Álvarez, producida por el Teatro Nacional Cervantes, prosigue su gira por el territorio nacional.
Mauricio Kartun
La obra, estrenada en 1988 en el Teatro San Martín, cuenta el encuentro de un muchacho con su padre, con el que antes formaban un dúo de zapateadores, ahora con la presencia de una tercera en discordia que usurpa su lugar artístico."`El partener` es una obra exquisita, que responde a una época de su autor y es un placer hacerla, donde se encuentra lo profundamente popular con un nivel académico: conseguir esas dos cosas juntas para mí es la cúspide de la conceptualidad", señaló Vicente en diálogo con Télam.
"Me parece que Mauricio Kartun, en este momento, además de ser el autor que fue siempre, abarcando diferentes épocas y en un crecimiento constante, ahora está en una etapa de ebullición en su nivel creativo", estimó.
Sobre la experiencia de su maestro y amigo, que lleva más de 25 obras escritas desde 1973, el actor y ahora director señaló que "no necesariamente el tiempo es siempre favorable, a veces la experiencia suma pero a veces también mecaniza, estratifica".
"El caso de Kartun es todo lo contrario, es de una auténtica madurez con creatividad -explicó-. Puede decirse de él que es clásico y moderno, pues la gente que ha salido de sus cursos abarca la vanguardia dramatúrgica conceptual del teatro actual, ya que nadie ha dejado de pasar por Mauricio".
Apuntó que en las últimas etapas, al decidirse a dirigir él mismo sus propias obras, Kartun rompe viejos prejuicios: "Yo vengo de una generación en la que hasta era mal visto que el autor lo hiciera, era como que faltaba el eslabón dialéctico siguiente".
"Hoy ya no es así, el espacio a través del escenógrafo, la ropa, la musicalidad, están a cargo de todo un equipo, ya no existe tanto el músico o el escenógrafo de afuera que incursionan, ya que no se trata de decorados sino de una construcción paralela", describió.
Vicente integra junto a Osqui Guzmán el elenco de "Salomé de chacra", que con texto y dirección de Kartun subirá a escena en el Teatro San Martín a fines de octubre o principios de noviembre.
"En el caso de `El partener` yo trabajo con la vestuarista y escenógrafa Marina Tirantte, con la cual construimos juntos a partir de los ensayos; tampoco los músicos teatrales son sólo músicos, sino que son los dueños del sonido y la musicalidad general de la pieza", dijo.
Y agregó que en su equipo "hay diez personas trabajando al unísono, porque ese es el concepto del teatro de hoy, por lo que decir que Mauricio dirige sus propias obras es un concepto demasiado chico".
"Él ha tomado el concepto de construcción artística que lo abarca también como dramaturgo, que es de un nivel de exquisitez que cubre la contemporaneidad argentina como uno de los idiomas teatrales del momento", remató.
Las próximas estaciones de la gira de "El partener" son las que siguen:
- Viernes 14 de octubre: Cine teatro Plaza (San Martín, Buenos Aires)
- Sábado 15: Teatro del Viejo Concejo (San Isidro, Buenos Aires)
- Domingo 16: Teatro Martinelli (San Fernando, Buenos Aires)
- Viernes 21: Sala a confirmar (Villa Gesell, Buenos Aires)
- Sábado 22: Teatro Abel Santa Cruz (Miramar, Buenos Aires)
- Viernes 28, sábado 29 y domingo 30: Sala a confirmar (Resistencia, Chaco)
- Viernes 4 de noviembre: Cine teatro Italiano (Eduardo Castex, La Pampa)
- Sábado 5: Teatro Español (Santa Rosa, La Pampa)
- Domingo 6: Cine teatro Sociedad Italiana (Salliqueló, Buenos Aires).
Fuente:Telam
TELEVISIÓN
60 ANIVERSARIO DE CANAL 7
14 de Octubre
Soledad y el Bahiano cantan en el 60 aniversario de Canal 7
Soledad Pastorutti y el Bahiano cantarán este sábado a las 19 en la fiesta que Canal 7 realizará para celebrar sus 60 años en el Galpón Joven de Tecnópolis, en la que se recordarán las figuras de la historia de la televisión.
Este programa especial comenzará con la presentación de el Choque Urbano y contará con la conducción de María Eugenia Molinari y Martín Jauregui que compartirán con el público distintos momentos de la historia de la emisora estatal.
En el marco de ciclo “60 años. Cómo lo voy a olvidar” que se emitirá desde las 23, se transmitirá el encuentro que contará con sorpresas y el recuerdo de los momentos más destacados de las seis décadas de la televisión que se verán en pantallas gigantes.
El próximo 17 de octubre se cumplirán seis décadas de la televisión en Argentina, donde Canal 7 fue el abanderado en la inclusión de los cambios tecnológicos, en la producción de nuevos formatos y géneros televisivos y, fundamentalmente, la casa de grandes estrellas de la ficción, del humor, y de los conductores que marcaron el rumbo.
El 17 de octubre de 1951 Canal 7 realizó la primera transmisión de televisión en Argentina con las imágenes del discurso de Eva Perón desde la Plaza de Mayo.
Fuente:Telam
14 de Octubre
Hace 60 años
Eva Perón fue la primera imagen de la actual TV Pública
La primera imagen emitida oficialmente por la TV argentina fue la de Eva Perón durante los festejos del Día de la Lealtad, transmitido desde Plaza de Mayo el 17 de octubre de 1951, hace ya 60 años.
La primera transmisión empezó a las 15, con los discursos de Perón y Eva: dos cámaras instaladas en los edificios de los bancos Nación e Hipotecario transmitieron los rostros, las voces y los sonidos de la Plaza de Mayo, de un modo que parecía milagroso.
Aquella transmisión y las que le siguieron por LR3 Radio Belgrano Televisión, luego Canal 7, eran observadas por la gran mayoría a través de las vidrieras de las casas de artículos para el hogar, con ojos curiosos e incrédulos.
Un ejército de animadores de radio, actores, vestuaristas, maquilladores, publicistas y gente de otros oficios aparecía en el nuevo medio ante la posibilidad de un trabajo promisorio, que muchas veces se enraizaba en la improvisación.
Ya en la década del 20 la Argentina había sido pionera, junto a Gran Bretaña, Estados Unidos, Alemania e Italia, en experimentar el sistema de TV, apoyado técnicamente en tres principios: la persistencia de la imagen en la retina, el efecto fotoeléctrico y la capacidad de la pantalla receptora de producir luz.
La influencia que Alemania tenía entonces permitió conseguir las lámparas de fabricación artesanal y desarrollar las investigaciones que tiempo después, en 1940, lograrían a través de Radio Splendid la primera transmisión experimental con 40 días de continuidad en un radio de 4 kilómetros.
La reconstrución histórica realizada a través del archivo del recordado Roberto Di Chiara da cuenta de que el emprendimiento realizado en la zona de Marcelo T. de Alvear y pasaje Pizzurno tuvo grandes problemas técnicos y económicos, y no causó el impacto esperado.
Terminada la Segunda Guerra Mundial volvieron a crearse las condiciones para reintentar el emprendimiento televisivo; entre 1947 y 1949, un problema médico llevó a Yankelevich, dueño de Belgrano, la radio más importante del país, a los Estados Unidos, donde tomó contacto con el medio televisivo.
Yankelevich -abuelo del productor Gustavo Yankelevich y bisabuelo de la actriz Romina Yan- compró equipos usados en Nueva York por 27 millones de pesos y en agosto de 1951 comenzaron las primeras pruebas desde la torre y los estudios instalados en el entonces Ministerio de Obras Públicas (9 de Julio y Moreno), con locutores y actores de Radio Belgrano.
Durante mucho tiempo la programación de Canal 7 -que en 1980, en plena dictadura militar, inauguró el color bajo el nombre de Argentina Televisora Color, y actualmente emite como La Televisión Pública- abarcaba sólo tres horas diarias, con flashes informativos, películas, dibujos, precarias publicidades y números musicales.
Aquellos contados aparatos porteños de 1951 se habían estirado en 1959 a 900.000, que enriquecieron el entretenimiento con la llegada uno año después de Canal 9, Canal 13 -asignado al cubano anticastrista Goar Mestre-, y Canal 11, manejado por la Iglesia Católica.
La TV argentina no fue ajena a los tiempos políticos: hubo censura durante la dictadura de Onganía, estatización durante el peronismo en 1973, listas negras en el lopezrreguismo y militarización durante el videlato, seguidos de un desarrollo formidable desde el regreso de la democracia.
El viejo Canal 7 es ahora La TV Pública y se distingue de sus competidoras comerciales por su programación abierta y democrática, desdeñosa del entretenimiento alienante y superadora de los corcoveos de la historia.
Para celebrar el aniversario, la emisora ofrecerá una fiesta mañana desde las 19 en Galpón Joven de Tecnópolis donde cantarán Soledad Pastorutti y el Bahiano y también se presentará El Choque Urbano.
Fuente:Telam
10 de Octubre
Nominación
Villarruel: “La nominación de ‘Contra las cuerdas’ a los Emmy demuestra el atractivo de lo social”
Claudio Villarruel y Bernarda Llorente, responsables de la productora ON TV, celebraron la nominación a los premios Emmy de la tira “Contra las cuerdas” que ellos gestaron y se emitió por Canal 7.
“Esta nominación nos llena de orgullo porque fue realizada con un presupuesto limitado acorde a las cifras que maneja el canal y el interés que ha despertado a nivel internacional demuestra que el mundo está ávido de ideas originales y relatos arriesgados más que de súper producciones”, ponderó Llorente en una entrevista con Télam.
La productora subrayó que “el hecho de que en 2008 los Emmy hayan premiado `Televisión por la Identidad` como mejor unitario mundial y ahora esté nominado `Contra las cuerdas`, implica que el mundo comenzó a poner la mirada en temas ligados a las problemáticas sociales contemporáneas”.
Por su parte, Villarruel aportó que “en el caso de `Contra las cuerdas`, creemos que fue su temática universal la que despertó el interés de la gente, porque reflejaba con sutileza la vida de los suburbios de las grandes ciudades con historias profundas y un relato realista”.
“Nuestra intención -resaltó- fue desestigmatizar la imagen y los prejuicios que se tejen alrededor de estos muros invisibles”.
Quien fuera responsable de la programación de Telefé también hizo hincapié en el hecho de que la telenovela encabezada por Rodrigo de la Serna, Soledad Fandiño y Roberto Carnaghi se haya emitido a través de Canal 7.
“Que la Televisión Pública programe ficciones de calidad sin tener la presión del rating, colabora a seguir posicionando a la Argentina como a uno de los países más importantes en la generación de contenidos”, puntualizó Villarruel.
Fuente:Telam
10 de Octubre
Unitarios
Villarruel y Llorente invitan a pensar en la discriminación desde la ficción televisiva
Por Solange Levinton
Claudio Villarruel, productor al frente de ON TV Contenidos que estrenará este miércoles por Canal 9 los unitarios “Televisión por la Inclusión”, afirmó que esta ficción “encarnará el desafío que tenemos como sociedad frente a la segmentación y la discriminación”.
“Elegimos hablar de la inclusión porque creemos en la importancia de invitar a reflexionar, a partir de un medio masivo, sobre lo que subyace en ciertas conductas violentas”, remarcó Villarruel en diálogo con Télam.
Devenida en la segunda parte de “Televisión por la Identidad”, esta ficción realizada con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) contará con 13 episodios que abordarán diferentes problemáticas sociales, interpretadas por elencos rotativos.
Dirigidas por Alejandro Maci, la violencia, la xenofobia, el acoso laboral y la esclavitud infantil, entre otro tipo de conductas, darán pantalla, todos los miércoles a las 23, a temáticas que invitan a la reflexión.
“´Televisión por la Inclusión´ es el resultado de un largo proceso de búsqueda luego de ´Televisión por la Identidad´, porque nuestras ficciones intentaron siempre contar historias singulares, con un lenguaje diferencial y un fuerte anclaje en problemáticas sociales”, advirtió Bernarda Llorente, co-directora de la productora ON TV.
“Porque -añadió a esta agencia- la mejor manera de modificar la realidad es enfrentándola, y así como gracias al ciclo anterior una nueva generación se preguntó qué había pasado en la Argentina y muchos hijos apropiados se animaron a indagar sobre su identidad, es momento de preguntarnos qué conductas debemos corregir como sociedad”.
Al respecto, Villarruel remarcó: “Fue un antes y un después para nosotros darnos cuenta que la televisión traspasaba sus propios límites para influir directamente en la realidad”.
Precisamente, hace dos años, la dupla responsable de éxitos de la talla de “Resistiré”, “Montecristo” y “Vidas Robadas”, dejó atrás una década de éxitos en Telefé para apostar por un camino propio, no sólo con la productora ON TV, sino también con 360 TV, el primer canal producido para TV Digital.
“Hacer televisión digital es salir a buscar lenguajes que flotan en el imaginario social y, sin embargo, no están representados; es ajustar la antena hacia otros horizontes, buscar huecos en el lenguaje e identidades que nos permitan redescubrirnos”, reflexionó Villarruel sobre este nuevo proyecto que ya lleva un mes en el aire.
360 TV es una señal de noticias, cultura y espectáculos a la que se accede por TVD e internet, que tiene en sus filas a profesionales como Juan Alberto Badía, María Julia Oliván, Víctor Hugo Morales, Gonzalo Bonadeo, José Pablo Feinmann y Juan Sasturain, entre otros.
“A un mes de estar en el aire ya se instaló como una alternativa de comunicación desde un nuevo lenguaje, tanto en lo periodístico como en lo artístico, con el objetivo de estimular un ida y vuelta con el público como protagonista”, destacó Llorente sobre las alternativas que abre esta nueva propuesta.
-¿Qué es lo que ven cuando miran canales de aire?
-Llorente: Los vemos como en un proceso de transición entre el modelo actual y lo que viene, caracterizado por un efecto espejo, no sólo entre programas, sino también entre canales.
Creemos que esta televisión tiene un gran desafío por delante: mantener la masa crítica de audiencia que le permita seguir con un modelo sustentable.
-Villarruel: Para ello deberá encontrar fórmulas atractivas y reinventarse en muchos aspectos. Un dato no menor es la competencia desigual que viene arrastrando desde hace años con el cable, que ya está programando con un estilo similar al de la televisión abierta.
-¿Extrañan conducir un canal de televisión abierta?
-Villarruel: No. Cuando tomamos la decisión de irnos, sentíamos que habíamos cumplido un ciclo y que teníamos las ganas y la necesidad de hacer otras cosas.
Empezar las cosas de cero es un gran aprendizaje y si bien Telefé nos dio grandes satisfacciones, ya que pudimos hacer todo lo que nos propusimos; es saludable emprender otros caminos.
-¿Cómo es su nueva vida después de dos años de haber dejado la dirección de Telefé?
-Villarruel: Apasionante, hoy estamos ocupados pero no preocupados. Estamos metidos en proyectos que nos motivan mucho como participar y aportar en la creación del nuevo paradigma de la TV digital a través de 360TV. Resumiendo seguimos poniendo toda la pasión pero sin presión.
Fuente:Telam
15 de Octubre
Estrenan producciones correntinas para la televisión
Por Patricia Arrúa
La serie de ficción “Payé” y la serie documental “Paraná, historias de un río”, ganadoras de los Concursos Federales del Instituto Nacional del Cine y Artes Visuales (INCAA), se estrenan este sábado en el Teatro Oficial “Juan de Vera” de la capital correntina.
Se trata de dos producciones audiovisuales que se realizaron en Corrientes y Chaco, que luego integrarán el BACUA (Banco Audiovisual de Contenidos Universales Argentino), destinado a la Televisión Digital Argentina.
El director de “Payé”, Camilo Gómez Montero, dijo a Télam que “la madre de todo esto es la Ley de Medios, que crea el marco ideal para una producción audiovisual federal”.
“En ‘Payé’ trabajaron 70 actores de la zona durante tres meses y esto, además de significar fuentes de trabajo, inyecta importantes recursos en los lugares en los que se está filmando”, relató Gómez Montero.
En tanto, afirmó que ambas obras “reflejan la identidad de un pueblo, su historia, tradición y cultura”.
“No hay nada más lindo que los pueblos puedan reflejar su historia y su realidad, y romper con el dominio que imperaba en los medios, que estaba tan lejos de una mirada federal e inclusiva”, sostuvo el realizador.
“Esta es la primera federalización de los medios en la historia”, aseguró Camilo Gómez Montero.
“Payé” (como designan los brujos a los hechizos), es una serie de ficción de TV de 8 episodios unitarios que abordan distintos mitos del Litoral argentino, que combina el género fantástico con el suspenso, historias costumbristas y drama.
Las historias tienen como escenario las provincias de Chaco y Corrientes, y fueron escritas y dirigidas por Camilo Gómez Montero y Lisandro Moriones, mientras que la producción corrió por cuenta de Juan María Richieri.
“Paraná, Historias de un Río”, es una serie de 4 episodios documentales unitarios que tienen en común que sus personajes están unidos indisolublemente al río Paraná, viven con él y de él, ya que son ladrilleros, pescadores e isleños, cada cual en su oficio en los márgenes de la provincia de Corrientes.
Esta producción está dirigida por Juan María Richieri y producida por Camilo Gómez Montero.
Fuente:Telam
VIDEOS
12 de Octubre
Convenio con Cultura
Veinticinco cortos del Bicentenario se verán en los aviones de Aerolíneas
Veinticinco cortometrajes filmados con motivo del Bicentenario serán proyectados en la nueva flota de aviones de Aerolíneas Argentinas y Austral gracias a un convenio celebrado entre la empresa estatal y la Secretaría de Cultura de la Nación.
El acuerdo fue suscripto por el presidente de Aerolíneas Argentinas, Mariano Recalde, y el secretario de Cultura, Jorge Coscia, y prevé la difusión del material audiovisual que formó parte del programa "25 miradas. 200 minutos".
"Es un muestrario de las capacidades del cine nacional y de la diversidad de miradas y relatos que implica", definió Coscia.
En responsable de Cultura agregó que se trata de una serie de cortometrajes "que se van a ver durante muchas décadas" y enfatizó que en los ocho años de gestión de Néstor y Cristina Fernández de Kirchner marcaron "el período más perdurable en cantidad y calidad de producción audiovisual".
Por su parte, Recalde afirmó que la idea de proyectar los cortos se vincula con la voluntad de "cargar de sentido público" a la aerolínea administrada por el Estado.
"Se proyectarán en los veinte aviones Embraer encargados por la presidenta a una fábrica Sudamericana. Ojalá llegue el momento en que puedan fabricarse en Argentina", puntualizó.
Los cortometrajes, que se proyectarán a partir de noviembre en los vuelos de cabotaje y desde mediados de diciembre en las rutas internacionales, tienen una duración de ocho minutos y reflexionar sobre el presente, el pasado y el futuro de la Argentina.
El proyecto "25 miradas. 200 minutos" fue desarrollado por la Secretaría de Cultura de la Nación junto con la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Colaboraron la Asociación Argentina de Actores (AAA), el Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina (SICA) y la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC).
Los realizadores de los cortos fueron Israel Adrián Caetano (El Héroe al que Nadie Quiso), Marcos Carnevale (Mercedes), Albertina Carri (Restos), Paula de Luque (Leyenda del Ceibo), Inés de Oliveira Cézar (Guillermina P.), Sabrina Farji (La Voz), Leonardo Favio (Gente querible), Pablo Fendrik (Hija del Sol), Sandra Gugliotta (Posadas), Paula Hernández (Malasangre), Juan José Jusid (Intolerancia), Víctor Laplace (Ser Útil Hoy).
También Alberto Lecchi (El Abuelo), Lucrecia Martel (Nueva Argirópolis), Mausi Martínez (En la Trinchera), Néstor Montalbano (Chasqui), Celina Murga (Pavón), Gustavo Postiglione ((mi) Historia Argentina), Lucía Puenzo y Esteban Puenzo (Más adelante), Carlos Sorín (Argentina del Bicentenario. Las Voces y los Silencios), Juan Bautista Stagnaro (El Espía), Juan Taratuto (Fallas de Origen), Gustavo Taretto (Una vez más), Pablo Trapero (Nómade) y Ricardo Wullicher (Para todos los Hombres y Mujeres de Buena Voluntad).
Fuente:Telam
CINE
12 de Octubre
"Un cuento chino" competirá en tres festivales internacionales
El filme que es el más taquillero de producción local en la Argentina con más de 900.000 entradas vendidas, iniciará su nuevo recorrido competitivo en el Festival de Cine Tribeca de Doha que tendrá lugar en Qatar entre el 25 y el 29 del corriente.
A partir del 27, además, el largometraje donde también tomaron parte Ignacio Huang y Muriel Santa Ana será parte del Festival Internazionale di Roma que hasta el 4 de noviembre tendrá lugar en la capital italiana y del 10 al 20 del penúltimo mes de 2011, integrará la grilla del Festival Internacional de Cine de Mannheim Heidelberg (Alemania).
Fuente:Telam
12 de Octubre
Comienza una nueva edición de la muestra de Cine Documental
Desde este jueves y hasta el sábado 22 se desarrollará la undécima edición de la Muestra Internacional de Cine Documental Doc Buenos Aires, que vuelve a ofrecer un panorama de las nuevas tendencias europeas y latinoamericanas y suma flamantes filmes de Alexander Sokurov, Naomi Kawase y José Luis Guerín, entre otros autores célebres.
La muestra, que se realizará en la Lugones y la Alianza Francesa porteña, será el escenario donde se discutirán los mejores documentales de creación, con Proyecciones Especiales, la retrospectiva “Alexander Sokurov, páginas ocultas”, un repaso de los trabajos del francés François Caillat y un homenaje a los 25 años de la Escuela Internacional de San Antonio de los Baños (Cuba), entre otras secciones.
“En estos 10 años probamos que somos fieles a nosotros mismos. El Doc Buenos Aires nació como un fórum de producción para desarrollo de proyectos, y a lo largo de todos estos años ese fórum fue creciendo y desarrollándose. En esta nueva edición tenemos incluso un foco de las películas que nacieron aquí y que hoy son una realidad”, afirmó Luciano Monteagudo, uno de los programadores.
En diálogo con Télam, Monteagudo señaló: “Seguimos privilegiando películas que tienen una búsqueda en su escritura y nuevas maneras de encarar el documental. Se trata de filmes que trabajan un registro muy intimista, que se cruzan a la ficción o que borronean las fronteras entre ficción y documental”.
“Queremos dar cuenta de la diversidad que ha alcanzado el documental. Hay distintas aproximaciones a las posibilidades que otorga el género, como los que utilizan el metraje encontrado de una forma no tradicional, filmes líricos como `Polvos de América`, o las cartas entre José Luis Guerín y Jonas Mekas, un diálogo epistolar pero hecho con imágenes”, agregó el reconocido crítico.
Monteagudo destacó el foco dedicado al ruso Alexander Sokurov como “uno de los puntos más altos” de la muestra y afirmó que “el documental de creación es por definición algo que se opone al documental institucional y se plantea un documental de búsqueda, muy personal, que no responde en general a ninguna presión de formatos ni de mercado”.
“Se trata de películas que nacen de una necesidad de expresión personal muy fuerte o de narrar alguna circunstancia que toca al director muy de cerca. En ese sentido, la sección Puntos de Fuga, dedicada al documental francés, lo ilustra muy bien, porque es ahí donde quizás estén los materiales más radicales de la muestra”, añadió el programador.
Uno de los ejes destacados de la programación es la retrospectiva “Alexander Sokurov, páginas ocultas”, un foco con 15 filmes del gran cineasta ruso, aún inéditos en la Argentina, cuya selección reúne varias de sus “elegías”, una forma poética con la que Sokurov viene trabajando desde sus comienzos.
El programa, a su vez, tiene como centro “Una retrospectiva de Leningrado” (1957-1990), varios episodios de un trabajo inédito realizado durante veinte años por el director sobre la compilación “desmontaje-nuevo montaje” de diarios televisados.
Y como corolario, el ciclo se cierra con el último documental de Sokurov hasta la fecha, “Necesitamos felicidad” (2010), un filme de la colección “El uso del mundo” (L`Usage du monde), dirigida por el antropólogo Stéphane Breton para el Musée du Quai Branly de París, de la cual el DocBuenosAires ya exhibió en ediciones anteriores los trabajos del cineasta chino Wang Bing y del propio Breton.
En el Foco Fórum, el DocBuenosAires celebra sus diez años de existencia presentando, en una única sección y a modo de un balance, algunos de los documentales que resultaron premiados en diversas ediciones del Fórum de coproducción internacional.
La abundante producción chilena se ve expresada por dos obras de muy reciente terminación: “El mocito”, de Marcela Said y Jean de Certeau, y “El edificio de los chilenos”, de Macarena Aguiló, mientras que de Ecuador llega “Labranza oculta”, de Gabriela Calvache, del Perú “Lima Bruja, retratos de la música criolla”, de Rafael Polar, y de Colombia “Nacer-Diario de maternidad”, de Jorge Caballero.
La Argentina estará representada por “Dixit”, de Alcides Chiesa y Carlos Eduardo Martínez; “Montenegro”, de Jorge Gaggero; y “Tata Cedrón, el regreso de Juancito Caminador”, de Fernando Pérez, sobre el retorno de Juan “Tata” Cedrón, uno de los músicos más renovadores del tango, quien volvió al país luego de 30 años de exilio político en París.
La sección Proyecciones Especiales (PE) está integrada básicamente por grandes cineastas que además formaron parte de la historia del DocBuenosAires con sus obras anteriores, como la japonesa Naomi Kawase, que presentará “Genpin”, el retrato de una maternidad fuera de lo común, que funciona en un bosque casi a la manera de un retiro espiritual.
En tanto, el español José Luis Guerín da cuenta de su amistad con Jonas Mekas, el gran pionero y gurú neoyorquino del cine independiente, en “Correspondencia Jonas Mekas - J.L. Guerin”, donde ese vínculo se enriquece a través de una relación epistolar a la vieja usanza, un diálogo regular y permanente que invita a la reflexión, pero en este caso entablado a través de la imagen video.
El belga Claudio Pazienza, autor de la deslumbrante “Escenas de la caza del jabalí” (2007), ofrecerá su “Ejercicios de desaparición”, mientras que la tunecina Nadia El Fani traerá “Ni Alá ni amo”, donde no sólo trae informaciones muy vívidas y urgentes de Túnez y su sociedad, que desataron la revuelta civil en el mundo árabe, sino que reivindica la libertad de conciencia en su país.
La muestra en conmemoración de los 25 años de la creación de la Escuela Internacional de San Antonio de los Baños (EICTV), un verdadero acontecimiento para el cine de América Latina, recorre en particular la producción de estos últimos años y denota una madurez en la construcción de mirada de los jóvenes realizadores iberoamericanos que pasaron por sus aulas.
Junto a algunos nombres ya descubiertos por el DocBuenosAires en ediciones anteriores, como el de Susana Barriga (Cuba) o Diego Mondaca (Bolivia), se agregan otros de premiados directores europeos que también pasaron por esas aulas, como Jaime Rosales (España) o Benito Zambrano (España), o el enorme talento de un secreto bien guardado como Marcos Pimentel (Brasil).
Fuente:Telam
13 de Octubre
Eduardo Pinto estrena "Caño dorado", un filme de amor marginal
El cineasta Eduardo Pinto, quien debutó como director en 2005 con la película "Palermo Hollywood", estrena este jueves su largometraje "Caño dorado", una intensa historia de amor con ribetes policiales que describe el viaje interior de un hombre que busca encontrarse a sí mismo.
"La película es un viaje del protagonista en procura de su propia identidad", afirmó Pinto, coautor además de "Buen día, día", un documental sobre la figura del poeta y músico argentino Miguel Abuelo, fundador de Los Abuelos de la Nada, quien murió de sida el 26 de marzo de 1988.
Protagonizado por Lautaro Delgado, Tina Serrano, Yiyo Ortiz y Camila Cruz, el segundo largo de ficción de Pinto es un proyecto que nació a fines de 2001, en plena crisis socioeconómica, cuando el director leyó una noticia en un diario que daba cuenta de la detención de un hombre que fabricaba armas en un taller hogareño.
Producida por Omar Jadur (quien ya había colaborado con Pinto en el cortometraje "Negro" y en "Palermo Hollywood"), la película describe el drama de Panceta, un obrero metalúrgico que a causa de la crisis busca sobrevivir y darle de comer a su familia fabricando armas en una herrería escondida en el fondo de su casa.
"El protagonista llega a ese lugar de delincuencia y marginalidad por la presión social y la falta de posibilidades económicas que tiene para subsistir" señaló el director, y añadió: "A veces, uno llega a ser marginal casi sin darse cuenta".
Luego de autoinfligirse una herida en su trabajo, Panceta lee con entusiasmo en el horóscopo que le espera un buen negocio, que tendrá un golpe de suerte en el amor y que iniciará un viaje inesperado.
Esa misma noche conoce a Clara, con quien va a emprender lo que podría ser el principio del resto de sus vidas: un viaje liberador, una fuga hacia adelante, al río, a la naturaleza, donde el sexo es duro y a la vez tierno y la violencia cotidiana parece quedar atrás.
Aunque una pregunta posa una sombra sobre esta odisea que oscila entre la estilización visual y el realismo sucio y curtido del nuevo cine argentino: ¿adónde escapar cuando el destino está escrito?
Una primera etapa del rodaje se realizó en locaciones reales del barrio San Jorge, en la localidad bonaerense de Don Torcuato, y otra tuvo lugar en ríos y arroyos de verde Villa Paranacito, en la provincia de Entre Ríos.
Autor de numerosos videoclips para artistas como León Gieco, Catupecu Machu, Leo García, Los Nocheros y Diego Torres, entre muchos otros, el director explicó que el título de su película nace por un lado del nombre que reciben popularmente ciertas armas de fabricación casera.
"Caño", "tumbera" o "pajera" son las denominaciones populares que reciben estas armas caseras -caños de cobre o hierro munidos de un percutor-, que generalmente son las primeras que algunos delincuentes pueden comprar en villas y barrios bajos.
"Por otra parte -explicó Pinto- el título de la película surge de un sueño que tiene el protagonista, de su lado espiritual, porque es un hombre que tiene un objetivo más allá de su mundo oscuro y marginal, y sueña que se va a un río a pescar un pez dorado".
Con música de Pity Alvarez, Estelares y Karamelo Santo, "Caño Dorado" es "una historia de amor, un drama, pero por otro lado tiene la subtrama de un policial", dijo el cineasta.
Pinto se inició en el cine a los 16 años, haciendo grabaciones caseras con una cámara de su padre, y luego -bajo el padrinazgo del reconocido fotógrafo Salvador Melita- trabajó en varios filmes como eléctrico, asistente de cámara y director de fotografía, antes de convertirse en director.
Fuente:Telam
13 de Octubre
Presentaron la fundación "Gerardo Vallejo" en la apertura de la Sexta Edición de Tucumán Cine
La Sexta Edición de Tucumán Cine fue inaugurada hoy en el teatro provincial San Martín, donde se proyectó "Una Película Sonora Infantil", producida en la región; y se presentó la Fundación Gerardo Vallejo, dedicada a difundir el patrimonio audiovisual del cineasta.
En la inauguración participaron el secretario de Cultura de Tucumán, Mauricio Guzmán; el actor Juan Palomino (primer socio honorario de la Fundación perteneciente al mundo cinematográfico); y Eva Piwowarski, viuda de Vallejo.
También asistieron alumnos de escuelas locales y niños no videntes que participaron de la proyección de la película sonora.
Tras el acto, Eva Piwowarski le dijo a Télam que "Gerardo (Vallejo) estaría muy feliz por el momento del cine de Tucumán y de todo el país, ya que esto es algo que él deseó mucho, y es por lo que luchó y trabajó toda su vida".
Vallejo (1942-2007) fue un realizador fundamental del cine tucumano: filmó obras como "El camino hacia la muerte del viejo Reales" (1968) y "Testimonios de Tucumán" (1972/74).
"El formó parte de una generación que prácticamente dio su vida para que los argentinos podamos disfrutar de una perspectiva histórica diferente, ser dueños de nuestros destinos y tener acceso a la cultura", expresó Piwowarski.
La viuda de Vallejo destacó que Argentina, "ahora, tiene un cine diverso, plural y federal, lo mismo que la televisión que se está abriendo con la ley de medios, algo que era impensable hace algunos años".
Sin embargo, aclaró que "con la tecnología no alcanza si no hay un acompañamiento del Estado con decisiones soberanas y una política pública sobre nuestra cultura".
"Queremos que se desarrolle un cine tucumano, regional y nacional con mayor representatividad, discursos, miradas y recursos propios de cada lugar", indicó.
El festival Tucumán Cine, que se realiza de manera ininterrumpida desde 2006, cuenta con dos competencias oficiales: Largometraje de 35 milímetros y Formato Digital, con 23 obras participantes.
Entre los títulos más esperados, que comenzarán a proyectarse esta noche, figuran, "Aballay", "Antes de Estreno", "Caño Dorado", "Cerro Bayo", "El Fin del Potemkin Fase 7", "Juan y Eva", "La Vieja de Atrás", "Las Acacias", "Los Marziano", "Norberto Apenas Tarde" y "Vienen por el Oro, Vienen por Todo".
Los títulos de la competencia Digital son: "Amateur", "Ausente", "Buen Día, Día", "Ceremonia de Barro", "Construcción de un Mundo", "El Estudiante", "La Carrera del Animal", "SMO", "El Batallón Olvidado", "Un Rey para la Patagonia", "Vaquero" y "Yatasto".
El jurado de la Competencia 35 mm está integrado por Patricio García (realizador tucumano), Diego Trerotola (Revista El Amante), Eugenia Cingolani (BAFILM), Juan Sasiain, Guillermo Franco y Pablo Udenio (Revista Haciendo Cine).
Fuente:Telam
15 de Octubre
"El día que cambió la historia" cuenta la génesis del peronismo
Una película que combina material de archivo, testimonios y ficción, cuenta el proceso de luchas sindicales que dieron origen al Peronismo, desde la visión de los obreros de la carne de Berisso, lugar considerado la cuna de ese movimiento, se verá por primera vez en Buenos Aires.
La proyección se realizará este lunes, a las 20, en el Espacio Incaa KM, con entrada gratuita y la presencia de los directores, Jorge Asuaje y Sergio Pérez, los protagonistas Lito Cruz, Micaela Cruz, Rubén Stella y Amelia Bence, autoridades de las dos centrales obreras argentinas (CGT y CTA), así como funcionarios y legisladores nacionales.
La película, que se basa en la novela “El día que hicimos entre todos”, tesis de grado para la Facultad de Periodismo de La Plata que Asuaje comenzó a escribir e investigar en los 80, se estrenará el martes próximo en el Espacio Incaa La Máscara de la ciudad de Buenos Aires y en los Espacios Incaa de La Plata y Burzaco.
“Queríamos encontrar los orígenes históricos del peronismo, cómo se dio a nivel de la clase obrera y cómo fue el proceso de peronización de la clase obrera. Para eso, evocamos las luchas sindicales de los años 20, que tuvieron una fuerte presencia del anarquismo y el socialismo, lo que ocurrió en la Década Infame y los cambios económicos, sociales y culturales que provocó el posterior proceso de industralización”, afirmó Asuaje.
En diálogo con Télam, el director sostuvo que “fue en Berisso donde se fomentó especialmente el Peronismo porque era un centro industrial estratégico que llegó a reunir a 20 mil obreros. Era la vanguardia de la lucha sindical de los frigoríficos, y por eso tuvo una incidencia tan grande en la conformación del movimiento”.
Concebida como un documental, la película cuenta todo el proceso económico y social que se dio en el país desde fines del siglo XIX hasta el 17 de octubre de 1945, y se propone como un relato de todo el proceso de luchas sindicales que dieron origen al Peronismo, desde la visión de los obreros de la carne de Berisso, lugar que muchos consideran la cuna de ese movimiento.
A la palabra de historiadores como Osvaldo Bayer, Norberto Galasso, Sergio Pujol y Roberto Tarditti se suman las imágenes de esa época y una trama de ficción protagonizada por Lito Cruz y Rubén Stella, que complementan el relato.
La participación especial de la legendaria Amelia Bence es el condimento adicional de esta película, que cuenta con la actuación del bailarín Carlos Copello, en el toque tanguero de la historia.
Su contenido más fuerte, sin embargo, está dado por el testimonio de los sobrevivientes del 17 de Octubre: se trata de viejos obreros de los frigoríficos (muchos de ellos ya fallecidos) que narran cómo se fue dando en ellos la adhesión a Perón y por qué decidieron salir a la calle ese día.
El filme intenta aportar la reconstrucción histórica del hecho, recuperar la memoria y rescatar del olvido a hombres y mujeres que hicieron historia, que hicieron “El día que cambio la historia”.
La calle Nueva York de Berisso fue durante años el eje principal de la vida social, cultural y política de Berisso, y es por lo tanto la protagonista muda de millares de historias de vida generadas a partir de la actividad económica de los frigoríficos y de la oleada inmigratoria, convirtiendo a la ciudad en una de las más cosmopolitas del mundo.
En esa calle se originó el hecho más importante de la historia Argentina del siglo XX: la movilización popular del 17 de octubre de 1945, que llevó columnas de trabajadores hasta la Plaza de Mayo en la ciudad de Buenos Aires, para pedir por la liberación de Juan Domingo Perón, preso en ese momento en la isla Martín García.
Fuente:Telam
DANZA
12 de Octubre
Hasta el 17
Comenzará la II Bienal de Flamenco en la ciudad de Buenos Aires
La II Bienal de Flamenco de Buenos Aires “Enrique Morente”, comenzará en la tarde de este miércoles y se extenderá hasta el próximo lunes 17 con espectáculos, películas, clases magistrales y otras actividades alusivas en distintas locaciones de la Ciudad de Buenos Aires.
Organizada por el Ministerio de Cultura, a través de la Dirección General de Música, junto a la Embajada de España en Argentina y el Instituto Andaluz de Flamenco, en esta segunda edición se contará con la visita del guitarrista Vicente Amigo con su espectáculo “Paseo de Gracia”, la bailaora Rafaela Carrasco con “Vamos al tiroteo” y David Morales con “El Indiano”.
La puesta en escena de "Paseo de Gracia", tendrá lugar el sábado a las 20 en el Anfiteatro Eva Perón de Parque Centenario, con entrada libre y gratuita, donde Amigo se presentará junto a Antonio Fernández Peron (2° guitarra), Rafael Usero Vilches (cante), Patricio Cámara (percusión), Paquito González (percusión) y Juan Manuel Ruiz (bajo).
En tanto, los espectáculos locales serán animados por Hebe Zacco, Laura Manzella, el grupo neuquino Manto de Andújar, Carmen Mesa y Héctor Romero, Maribel Herrera con la participación especial de Pilar Távora, Karina Beorlegui, Baldomero Cádiz y Leo Sujatovich; la pianista Polly Ferman; María Volonté y los shows Ruedo Ibérico, Didascalias, Aceituna y jazmín.
Además, habrá una mesa redonda de “Flamenco y Tango: Patrimonios inmateriales de la Humanidad”; Horacio Rébora presentará el libro “La Tertulia: Memoria Coral” y el flamencólogo Faustino Núñez realizará un seminario También se proyectará la película “Morente sueña La Alambra” y habrá clases magistrales de Baile por David Morales, Cante por Rocío Bazán, Guitarra por Gaspar Rodríguez Román y Percusión por Miguel Ortiz Rubira, El Nene.
Fuente:Telam
MÚSICA
10 de Octubre
Tango
La Fernández Fierro lleva a Europa la celebración por 10 años
Por Sergio Arboleya
La Orquesta Típica Fernández Fierro, una formación que ha oxigenado a fuerza de trabajo y audacia la escena tanguera, lleva a Europa la celebración por 10 años de consecuente actividad artística y política.
“El rumbo en cuanto a nuestras decisiones estéticas y políticas en el tango, empezó siendo hacia dónde no ir. Sabíamos y sabemos que hay un montón de cosas que no queremos hacer y así fuimos orientándonos hacia un lugar”, comentó a Télam El Ministro, uno de los cuatro bandoneones del conjunto y miembro original de la Fierro.
La agrupación que reúne a una docena de músicos y que en su formato cooperativo integra a otra media docena de personas junto a las que se sostiene una sala propia (el Club Atlético Fernández Fierro, Caff) y la flamante Radio Caff, tiene como referente a Osvaldo Pugliese y fue justamente en un homenaje al pianista en el teatro Alvear donde estrenó nombre en junio de 2001.
El cantante Walter "Chino" Laborde, apuntó a esta agencia que “imagino que se arrancó con Pugliese porque era popular y porque gustaba pero también por su formato de trabajo, por toda esa influencia, por el mambo cooperativista”.
“Pero desde un primer momento, la Orquesta tuvo claro que tenía que hacer la propia y en ese camino no para de avanzar”, se explayó el vocalista.
En esa dinámica, la formación musical que además integran Federico Terranova, Pablo Jivotovschii y Bruno Giuntini (violines), Juan Carlos Pacini (viola), Alfredo Zuccarelli (violoncello), Yuri Venturín (contrabajo), Julio Coviello, Pablo Gignoli y Eugenio Soria (bandoneón) y Santiago Bottiroli (piano), registró cinco álbumes y el dvd “Tango antipánico”.
El andar de la Fernández Fierro (que antes supo llamarse Fernández Branca) en una propuesta que por su impronta parece más cerca del rock que del tango, avanza fuertemente en la ejecución de un repertorio íntegramente propio.
“Hacemos canciones del Tape Rubín, de Palo Pandolfo o una versión de un tema de Chabuca Granda (`Una larga noche`), pero ahora estamos componiendo y asentando un estilo”, resaltó Laborde.
En el mismo sentido, Ministro retomó la palabra y sostuvo que “nosotros tenemos un proyecto que es hacer arte para que inspire más allá de que pueda gustar y vender”.
Con idéntica naturalidad, el instrumentista aseguró que la agrupación que el próximo viernes en París iniciará una gira europea con cinco recitales que la retendrá hasta fin de mes en aquel continente, elige “tocar en escenarios que no sean los de tango”.
“En Europa -explicó el bandoneonista- hacemos `world music` porque nos gusta más y la pasamos mejor en escenarios donde se hacen otras músicas”.
La Fernández Fierro actuará el viernes 14 Le Rocher de Palmer, un día después tomará parte en Festival D`automne de París y el 21 integrará la grilla del Festival Les Translatines.
El martes 25 se presentará en un teatro de Estocolmo y el viernes 28 animará una jornada de la feria internacional de música Womex en Copenhague.
“En estos shows vamos a tocar nuestro último disco (`Fernández Fierro`, de 2009) y también `Mucha mierda` (2006) porque son materiales que definieron más claramente nuestro perfil”, explicó Laborde.
A la vuelta, el colectivo tanguero se abocará al registro de un nuevo álbum y seguirá haciendo vibrar la escena de su propio Club que funciona en Sánchez de Bustamente 764 del barrio del Abasto.
El “Chino” comentó que el Caff “nació como una necesidad donde poder ensayar y tocar para romper esa cosa mezquina de ir a tocar y que no te dieran ni un vaso de agua para 11 y, de paso, generamos un lugar de músicos hacia músicos donde la cosa está cuidada y hay mucho respeto”.
Para Ministro, “todo lo independiente te permite moverte como en casa. Nosotros tenemos nuestro lugar donde tocar, así que si lo que nos ofrecen no nos sirve, le decimos que no”, completó.
Las apuestas del grupo suman desde hace un tiempo y desde su web www.fernadezfierro.com al emprendimiento Radio Caff donde se puede apreciar lo que suena en la Argentina.
“Radio Caff tiene el criterio de ofrecer música actual y que al grupo o al solista que suena allí se lo pueda ir a ver en vivo”, resumió el músico.
Fuente:Telam
10 de Octubre
Músicos argentinos fueron ovacionados durante el Bicentenario del Uruguay
El grupo Tonolec fue el encargado de levantar el telón con un espectáculo que fusionó la música electrónica y los cantos tobas en el escenario armado en la céntrica Plaza Cagancha, donde luego se presentó El Mató a un Policía Motorizado, la banda indie de La Plata, ante un público que se caracterizó por conocer las letras de sus temas.
Las Pelotas, por su parte, inauguró el gigantesco escenario principal de los festejos en la avenida Libertador General Lavalleja, ante un público multitudinario y con un repertorio cargado de sus canciones clásicas.
Los organizadores esperan reunir 200.000 personas durante la jornada, que contará con la participación de 22 artistas uruguayos y latinoamericanos; el despliegue incluye cuatro escenarios, intervenciones callejeras y también la custodia de 1350 policías y bomberos.
Las actividades se organizan para celebrar el 200 aniversario de la designación de José Artigas como jefe de los Orientales en una asamblea popular realizada en 1811 en las afueras de la ciudad.
La Secretaría de Cultura indicó que la subsecretaria de Gestión Cultural de la Nación, Marcela Cardillo, participará de los actos oficiales en representación de la repartición, que se desarrollarán en la Casa de Gobierno, junto con el presidente uruguayo José Mujica.
Sobre la participación del país, Cardillo opinó: "No podíamos dejar de estar presentes en este festejo; tanto la cultura como las historias compartidas nos hermanan con el Uruguay".
"Esta hermandad rioplatense es, indudablemente, el punto de partida de un vínculo mucho más amplio, más contenedor, que es el que nos une con el resto del continente”, completó.
Por iniciativa de la Presidencia y a través de la Secretaría de Cultura de la Nación y la Embajada Argentina en Uruguay, nuestro país participa de los festejos del Bicentenario de la República Oriental del Uruguay.
La grilla de recitales se completa con grupos uruguayos y de otros países, entre los que se destacan Rumbo -tras 25 años de ausencia-, Bajofondo, Los Tres, El Cuarteto de Nos, Jaime Roos, Jorge Drexler, La Vela Puerca, la compañía teatral catalana La Fura dels Baus y el cantante brasileño Gilberto Gil.
Fuente:Telam
14 de Octubre
Inti Illimani, Illapu y Quilapayún, juntos por primera vez
Illapu, Inti Illimani y Quilapayún, agrupaciones esenciales de la Nueva Canción Chilena, traerán el próximo lunes a la sala porteña del Gran Rex su histórico encuentro que exhibe el poder de un repertorio que marcó a la música popular latinoamericana en los 70 y, según destacaron integrantes de los tres conjuntos, hoy goza de una notable vigencia en su país.
“Aunque parecía que nuestras canciones cuestionaban cosas que la gente ya no se cuestionaba, siempre han servido para marcar cosas que la movilización de los estudiantes ahora han vuelto a poner en superficie”, reflexionó en charla con Télam Roberto Márquez, de Illapu.
El músico que actualmente comparte este grupo de folclore andino formado en 1971 con Carlos Elgueta, José Miguel Márquez, Cristián Márquez, Sydney Silva, Luis Galdames y Alfredo Ulloa, subrayó que “los estudiantes han puesto la discusión donde debería haber estado hace mucho tiempo”.
“Parecíamos -insistió- un país a la vanguardia económica de la región, pero eso que los gringos publicitaban ha quedado al descubierto y la protesta de los estudiantes muestra un modelo absolutamente fracasado que solamente privilegia el lucro”.
En el mismo sentido, Jorge Coulón, de Inti Illimani, señaló a Télam que “una vez más hay un despertar ciudadano que se canaliza a través de los estudiantes, y que es la punta del icerberg de un descontento ciudadano que tiene en claro lo que ya no queremos más”.
El miembro fundador de la agrupación nacida en 1967, y hoy día también integrada por Marcelo Coulón, Efren Viera, Daniel Cantillana, Manuel Meriño, Christian González, Juan Flores y César Jara, arriesgó que el repertorio social del conjunto quizá hoy resuene mejor porque “somos como los abuelos que se entienden mejor con los nietos que con los hijos”.
“Un problema de nuestra generación es querer dar consejo sobre todo pero lo que nosotros podemos hacer es apoyar este movimiento extraordinario que le está devolviendo la dignidad a Chile”, abundó el artista.
También desde el teléfono y en medio de la versión chilena del espectáculo que aquí se verá el lunes, Rodolfo Parada, de Quilapayún, opinó en charla con Télam que “estos conciertos son una feliz coincidencia con lo que ocurre en las calles porque somos portadores de una época de gran dignidad y de gran pelea por la justicia social”.
El músico que desde 1988 dirige la formación nacida en 1965 y que en el presente sostienen Patricio Wang, Patricio Castillo, Alvaro Pinto, Sergio Arriagada y Mario Contreras, sostuvo que “aún radicados en Francia, teníamos la percepción de que había una demanda ética y moral que estaba latente en el pueblo chileno”.
“En cierta medida, se establece naturalmente el lazo histórico y una cierta continuidad -reflexionó- que no se ha roto a pesar de dictaduras, exilios y campos de concentración”.
El entusiasmo por este renacer de la movilización social en Chile, no evitó que Parada marcara necesarias diferencias: “nuestras canciones y las de nuestros compañeros de entonces no pueden satisfacer las necesidades de actuales y aunque haya una continuidad histórica las razones para movilizarse son propias”, especificó.
Herederos de una tradición artística e ideológica que tuvo como máximas expresiones a Víctor Jara y Violeta Parra, Illapu, Inti Illimani y Quilapayún están celebrando su primer encuentro formal con una serie de recitales en Chile (ya actuaron en La Serena y Maullín, por estas horas lo harán en Santiago y después en Concepción) que solamente traspasará la frontera para llegar el lunes a Buenos Aires.
“Buscamos ir a la Argentina porque es un país que ha acogido con mucha pasión y mucho interés a la Nueva Canción Chilena y porque sentimos una fraternidad particular desde lo musical”, aseguró Parada.
Coulón, por su parte, consideró que “para nosotros ir a la Argentina es importante porque Buenos Aires es la capital cultural de América latina”, mientras que Márquez anunció que la presentación en el Gran Rex será la única fuera de Chile en este momento, pero “la primera de una continuidad de shows que tienen la mira puesta en América latina”.
El intérprete que integra Illapu reveló que “esta idea de reunir a los tres grupos empezó por juntarnos hace un año con Los Quila y obedece que somos ramas de un mismo tronco”.
“Encarnamos propuestas similares -comentó- pero hay sellos distintos en la manera de armar las canciones, en la forma en que mezclamos los instrumentos y en dónde ponemos los acentos”.
Desde Inti Illimani, Coulón caracterizó a la juntada como a “una satisfacción musical porque tenemos una amistad y una gran admiración musical. Es reencontrar a viejos amigos con quienes nos vemos pero con los que se hace difícil tocar juntos”.
Y Parada avisó que “nos permitimos presentar las canciones propias pero también compartir distintos pasajes en un espectáculo ininterrumpido”.
Fuente:Telam
MUESTRAS
14 de Octubre
Comienza la muestra
Los jóvenes modernos de los 50's se instalan en el Mamba
Por Dolores Pruneda Paz
"Jóvenes y modernos de los años 50" da título a la muestra que desde hoy puede verse en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), con casi un centenar de obras y documentos de artistas y movimientos que expresaron, con la abstracción, nuevas realidades históricas impuestas tras las Segunda Gran Guerra.
En el edificio de avenida San Juan 350 se multiplican las obras y documentos que muestran los primeros quiebres en el país con la tradición figurativa y la radicalización de la vanguardia concreta de los años 40, hasta llegar a la expansión de la abstracción en la década del cincuenta.
Mondrian, Sonia Delaunay, Tomás Maldonado, Casimiro Domingo e Ignacio Pirovano son algunos de los artistas, críticos y coleccionistas que con su obra dan forma a la exhibición curada por Cristina Rossi.
Una esfera negra de metal trabajado con líneas curvas que se entrecruzan son algunos de esos trabajos: se trata de los "Sobre tres espirales", creada por Enio Iommi en 1958; o la hoja que Manuel Espinosa pintó con témpera en 1959, un "s/t" en fondo negro atravesado por líneas de puntos fucsias, verdes, rojos y amarillos que forman una estrella irregular.
La tela roja que Eduardo Mac Entyre cortó con círculos y ángulos rectos en blanco, o el óleo que Julio le Parc cubrió de rectángulos en tonos suaves que van del negro al blanco y del azul al gris pasando por rojos terrosos, se suman a la exposición que podrá visitarse todo el verano.
"Jóvenes y modernos es una muestra patrimonial -dice a Télam Rossi- que repasa el período de expansión del lenguaje abstracto en la Argentina e intenta ampliar la mirada sobre una época crucial para el desarrollo del arte moderno".
De esta manera la curadora hace dialogar las obras de unos 50 artistas coleccionadas por Ignacio Pirovano y legadas al museo en 1980, con otras producciones del acervo museístico entre las que cuentan donaciones recientes de Juan Melé y Víctor Magariños D.
Se trata de "artistas, críticos y educadores que tras las rupturas de la vanguardia del 40 con la figuración de Berni, Castagnino y Spilimbergo, entre otros, trabajaron en el momento de consolidación y expansión del lenguaje abstracto", sintetiza la curadora.
"Eran los jóvenes -remarca- que a mediados de los años cuarenta rondaban los veinte años, y modernos porque crearon un nuevo lenguaje plástico representativo de su contemporaneidad, a través de grupos que articulaban estrategias para difundir concepciones y tendencias de la época mediante exhibiciones y ediciones conjuntas".
La muestra del MAMBA fue abordada desde tres ejes: el grupal; el de la mirada de Pirovano -sello de una época como coleccionista de un importante acervo de la vanguardia artística local y extranjera-; y el evolutivo, que concluye con la llegada de las vanguardias de los años sesenta.
Entre los grupos que pensaron estrategias combatiendo la figuración y en defensa de la abstracción, los visitantes podrán conocer la cosmovisión de los autoconvocados "Arte nuevo" y "Artistas no figurativos".
Los espectadores también se encontrarán con obra de los "20 pintores y escultores" -grupo integrado por artistas mayores, muchos de los cuales habían formado el surrealista ORION con una perspectiva más lírica y libre-; y creaciones del "Grupo de Artistas modernos de la Argentina", que reunió a concretos y líricos llamados por el crítico y poeta Aldo Pellegrini.
Así, maquetas, dibujos, pinturas y esculturas de una amplia gama de artistas argentinos se conjugan con creaciones de artistas europeos y dan cuenta de la idiosincrasia de esos jóvenes modernos que "trabajaron para consolidar el lenguaje de la abstracción, lo difundieron en circuitos alternos y lo expandieron en las escuelas de arte donde enseñaban", marca Rossi.
La exhibición del MAMBA termina con documentación de la “Primera Exposición Internacional de Arte Moderno que realizó el museo al filo de los años sesenta en el teatro San Martín cuando logró su primera sede permanente, con casi todos estos jóvenes modernos presentes en ella y muchos otros más", concluye la curadora.
La muestra podrá visitarse de lunes a viernes, de 12 a 19, y los sábados y domingos de 11 a 20, con entrada general a un peso.
Fuente:Telam
14 de Octubre
Mujeres rurales: autogestión y libertad en imágenes
Por Dolores Pruneda Paz
Cuatro mujeres que atraviesan momentos vitales muy distintos, habitan diferentes parajes y tienen la autogestión como acción común protagonizan la muestra "Homenaje a las mujeres rurales", una veintena de fotografías tomadas por Carolina Cabrera que hasta el 6 de noviembre se exhibe en el porteño Centro Cultural Borges.
Unos pies en primerísimo plano trabajan un telar; una mujer hila lana de vicuña en el comedor de su casa (el reloj de pared marca las dos, a un costado el epígrafe aclara que es de madrugada); otra alimenta a un cabrito en un corral; y una adolescente posa junto a una niña. Es su hija Jael. Estas son algunas de las imágenes montadas en la Sala 27 del primer piso del Borges.
"La relación con sus familias, con sus compañeros laborales, el trabajo cotidiano en la casa, las idas a la feria, todo eso está documentado en las fotos", asegura Cabrera, que las define como "pulpos": "es impresionante ver cómo hacen todo y cómo lo toman -dice-, como que es así, pero son mujeres muy contentas que aman su independencia y autonomía más allá de que les cuesta trabajo".
La exhibición se inauguró este mediodía, en coincidencia con el "Día de la mujer rural" que desde hace 16 años se celebra en todo el globo, cada 15 de octubre, a instancias de Organización de las Naciones Unidas (ONU).
Así lo destacó Jorge Neme, titular de la Unidad de Cambio Rural (UCAR) del Ministerio de Agricultura, responsable de curar la muestra que "busca resaltar la figura de esas mujeres como actoras fundamentales en el proceso productivo de un mundo rural argentino que es vasto, diverso, rico e integra la agenda de un gobierno profundamente interesado en mejorar sus condiciones de vida".
Nancy fue la primera productora que hospedó a Cabrera, "tiene 36 años, es madre soltera y vive con su hija adolescente produciendo dulces al este de Catamarca en el paraje Manantiales de la localidad de Santa Rosa -repasa Cabrera de memoria-.
Compartíamos hasta la pieza donde dormíamos, ella me decía que yo era su sombra, pero también era su cebadora de mate personal", se ríe.
De ahí se instaló en lo de Teresa, de 55: "es la que está más sola, vive en un paraje a 30 kilómetros del pueblo más cercano, conectado por un camino de tierra sólo transitable a caballo. Así llegas a El milagro, donde están Teresa en un rancho y su cuñado en otro, nada más".
"Ella vive con su hijo más chico y su esposo, un leñero bonaerense que se enamoró y se quedó a su lado en ese paraje despoblado y seco", cuenta la fotógrafa.
Su primera impresión al verla fue la de "una mujer grandota y seria" pero "resultó ser una persona hermosa, que todo el tiempo está riendo", recuerda.
"Teresa vive para criar los cabritos que vende para carnear, desde que se levanta a las 6 de la mañana y hasta la medianoche con madrugadas incluidas cuando los ayuda a parir", reseña Cabrera mientras señala una foto: "Su marido y su hijo orbitan a su lado, eso lo viví en el rancho, mira cómo se nota en la imagen", lo que señala es a la mujer cocinando, sus varones alrededor de ella.
"En general se acepta que las mujeres generaron la agricultura, es decir, que hace más de 10 mil años en algunos lugares del planeta, mientras aguardaban el regreso de los varones que salían a cazar y mantenían la casa, descubrieron cómo reproducir plantas artificialmente", acota Susana Márquez, de la UCAR.
En el caso de la mujer campesina, en su sentido más amplio, "ese trabajo dentro de casa se confundió con el económico y se tradujo en una gran dificultad de las políticas públicas para llegar a ellas de manera efectiva", explica. Ahí es donde la UCAR interviene con capacitación y facilitación de insumos.
Márquez es tajante: "Si bien Argentina es uno de los países con mayor equidad de género, más allá de las políticas legislativas en ese sentido o la discriminación histórica, se trata de la propia libertad, son las mujeres las que deben sentir que tienen esos derechos y ejercerlos. Este es nuestro objetivo".
El recorrido por la sala del Borges continúa y Cabrera se detiene frente a la fotografía de una hilandera, es Rosa, las más anciana y urbana de todas, con 77 años vive en la ciudad de Belén cuidando de su marido que la necesita para moverse y ya no trabaja.
Rosa trabaja con los colores naturales de la llama, la vicuña y la oveja y pertenece a una asociación de tejedoras; "dentro de Belén puede moverse pero ya no puede ir a la Feria del Poncho o a las capacitaciones que le encantan -confía Cabrera-, podría ser una jubilada pero no quiere saber nada de soltar la lana".
A un costado se ve otra imagen con manos que trabajan la lana pero mucho más jóvenes: es Dalma, con 18 años el caso más difícil de encontrar para Cabrera, "pasa que los adolescentes tienden a irse de sus pueblos, ella y otra chica son las únicas que quedaron de su promoción", explica.
"Fue un desafío humanizar la cámara para que deje de ser un objeto extraño y poder retratar su cotidianeidad más íntima, pero poder verlas fuera de una concepción social que las minimiza o desvaloriza fue el resultado de este trabajo", concluye.
La muestra puede visitarse hasta el 6 de noviembre próximo en el edificio de Viamonte y San Martín, con entrada libre y gratuita, de lunes a sábado de 10 a 21 y los domingos y feriados a partir del mediodía.
Fuente:Telam
15 de Octubre
En La Boca
Abre la muestra "Dioses, ritos y oficios del México prehispánico"
Por Mercedes Ezquiaga
Una exhibición inédita con más de 150 piezas arqueológicas de las diferentes culturas que habitaron el Golfo de México, en la actual zona de Veracruz, abre sus puertas en la Fundación Proa en La Boca, con curaduría del arqueólogo mexicano David Morales Gómez.
Con la idea de evocar la cotidianeidad de la época, se plantea un recorrido por sus múltiples rituales como el juego pelota paleta, o la celebración en torno a la deidad de la muerte, oficios como los alfareros, los lapidarios -que trabajan la piedra-, los músicos, y otros aspectos de los habitantes de la zona.
La muestra reúne ofrendas a los dioses, elementos utilizados en los sacrificios y en los juegos y otros objetos de en un tiempo histórico que va desde el año 700 a.C. hasta el denominado período posclásico, poco antes de la conquista española.
"Muchas de las piezas exhibidas vienen directo de la excavación, es decir que son recientemente recuperadas y nunca habían sido expuestas ni llevadas a otra exposición, -dijo el curador a Télam- y explicó que “en Veracruz tenemos registrados más de siete mil sitios arqueológicos, es uno de los estados más ricos en arqueología”.
El espectador se encontrará con los diversos dioses de esta cultura como el de la fertilidad Xipe Totec -presente con una escultura de casi dos metros-, los dioses narigudos Tlazolteotl y Cihuateteotl, la deidad de la muerte Mictlantecutli o el dios de la lluvia Tláloc, que -según asegura Morales Gómez- “trajo la lluvia a Buenos Aires, ni bien abrieron la caja donde viajó”.
Para la cosmovisión de este pueblo, el ciclo de nacimiento, reproducción y muerte dependía de las voluntades divinas que rigen el destino de la tierra y de los hombres, de allí la importancia de celebrar la fertilidad antes y después de cada lluvia, adorar al sol y otros ritos reflejados en la muestra.
Se trata de dioses comunes a todos los grupos mesoamericanos: divinidades supremas, inmortales, concebidas a imagen y semejanza de la figura humana, representados como ancianos y como jóvenes, entre el temor, la benevolencia, el castigo y la maldad.
El conjunto -que impacta por su fuerza simbólica- constituye “una excelsa selección de piezas que muestran la enorme variedad de ideas, la estructura social y la complejidad de una ideología”, resumió el curador mexicano.
La muestra propone, también, repasar las "Fiestas y atavíos de los dioses", con el mismo dios Tláloc y sus servidores, de quienes se presentan esculturas en piedra, figurillas en barro y vasijas, o Xipe Totec, también dios de los orfebres, modelado con anillos y pectorales con su rostro en oro.
Vajillas para uso cotidiano y religioso, singulares figuras de dioses para templos y casas, instrumentos musicales, numerosos objetos de decoración, objetos para la caza y la pesca y accesorios para rituales -como hachas o palmas- completan el recorrido.
No faltan en la exposición pulseras, anillos y brazaletes realizados con conchas y caracoles, así como fragmentos de pintura mural y una colección de fotografías históricas pertenecientes al archivo de la Fototeca Nacional del INAH, situada en la ciudad de Pachuca, Hidalgo.
Organizada por la Embajada de México en la Argentina, "Dioses, ritos y oficios del México prehispánico” se exhibirá hasta el 8 de enero en la Fundación Proa, avenida Pedro de Mendoza 1929 (Caminito), de martes a domingos de 11 a 19 (lunes cerrado).
Fuente:Telam
FESTIVAL DE ARTE
11 de Octubre
Presentan oficialmente el Festival Cervantino de Azul
Bajo el lema "Culturas en movimiento", se presentará este miércoles oficialmente en la Casa Nacional del Bicentenario, el V Festival Cervantino de la Argentina "Azul Soy Quixote", que se desarrollará del 3 al 13 de noviembre en la ciudad de Azul.
Las artes visuales girarán en torno a la exposición "Transformaciones y Transgresiones. Arte Argentino 1940-1980"; y reunirá a los más destacados artistas locales contemporáneos.
Por su parte, los chicos también tendrán su espacio con "¿Qué pintan los cuentos?", una muestra de ilustradores infantiles que incluye distintas actividades, en tanto que "Barrio Joven del Museo" reunirá las expresiones de artistas nóveles de la región.
El artista Miguel Rep plasmará su obra sobre la pared de una casa histórica, de significativas dimensiones: "La Casa de López", una de las más antiguas de la ciudad.
En música, se podrá disfrutar de shows a cargo de la Orquesta Juan De Dios Filiberto, Luna Monti y Juan Quintero, Yusa, La Guardia Joven, Aztecas Tupro, Diego Schissi o Efraín Azcárate, entre muchos otros.
En el segmento teatro se presentarán múltiples y variadas obras como "Apátrida", "Desastres", "Contra Ataca Teatro" y "El Centésimo Mono", entre otros.
El domingo 13 de noviembre el Parque Municipal de Azul será sede de una fiesta comunitaria, con propuestas que buscan fortalecer el espíritu perseguido por los organizadores del festival. Niños jugando y remontando barriletes junto a familia y vecinos marcarán el preludio ideal de un espectáculo musical de la mano de Vicentico.
La presentación detallada sobre las variadas actividades previstas se realizará a las 15 en Riobamba 985.
Fuente:Telam
JORNADAS
12 de Octubre
Biblioteca Nacional
Las Jornadas Spinoza, el 26 y 27 de octubre
El 26 y 27 de octubre, en la Biblioteca Nacional tendrán lugar Jornadas Baruj de Spinoza, Escrituras y Lecturas, de las cuales participarán los especialistas Miriam van Reijen, Rubén Dri, Diana Sperling, Juan Carlos Saccomanno, Florencia Gómez, Axel Cherniavsky, Agustín Volco, Guillermo Sibilia y Silvia Ziblat.
Spinoza (1633-1677) era holandés, racionalista, judío, teórico del conocimiento y estudioso de las pasiones; crítico bíblico y actor político; un hombre sin iglesia, teórico de la salvación. Asimismo, cultivaba la disidencia del erudito; y como materialista y ateo, todavía interroga al pensamiento.
Volver sobre Spinoza, pensarlo, significa encontrarse con la problemática religiosa y política, la de su tiempo y la de nuestros días.
Del profeta a la multitud profética, y de la soledad a la amistad y sociabilidad solidarias: para ello estas Jornadas. El judaísmo bíblico, el moderno, la Holanda próspera, calvinista, ortodoxa y herética, pobre, rica y acumuladora.
El ancestro converso, el judaizante, el oculto y el descubierto, el judío viejo y el judío nuevo, todo ello construye su concepción del mundo, ávida de luz, de desocultamiento, de riqueza y pasiones alegres, de caridad y justicia.
En el centro del mundo, este pensador periférico produjo una revolución honda, una escisión abierta que cuestiona escrituras y promueve nuevas lecturas.
Las jornadas se desarrollarán entre las 17 y las 21 en la Bibliotecas Nacional, y han sido declaradas de interés cultural por la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires (UBA) y de interés académico por el Departamento de Filosofía, Psicología y Ciencia.
Fuente:Telam
FILOSOFÍA
14 de Octubre
Los 85 años del pensador francés
Por Pablo E. Chacón
El 15 de octubre de 1926 nacía en Poitiers el filósofo Michel Foucault, filósofo, psicólogo, docente e historiador de los sistemas de pensamiento, miembro de número del College de Francia, fallecido en París el 25 de junio de 1984.
Foucault -según testimonio de quienes lo conocieron en su faceta de profesor- era un hombre sumamente metódico, que se guiaba con una serie de apuntes y que argumentaba como una aplanadora, de acuerdo a un guión preparado para cada ocasión.
Pasó a la historia de la filosofía por muchas razones, algunas de peso, otras superficiales: entre las de peso, su escritura, cercana a la de Maurice Blanchot; y la idea de episteme (la forma en que una época y sus sujetos son determinados por una estructura y por la historia).
Además de su astucia legendaria; la "muerte del hombre", que postula en "Las palabras..." no es más que el certificado de defunción del humanismo clásico.
Esa rémora renacentista que por ejemplo, el gigantesco Jean-Paul Sartre defendió hasta su muerte, y que Foucault eludió en mayo del 68 cuando permaneció en Túnez, mientras Jacques Lacan decía que la alianza entre estudiantes y obreros no era más que otro llamado al Amo.
¿El núcleo del pensamiento de Foucault? El poder, los efectos en la subjetividad del poder que no siempre es represivo sino que más efectivo, cuanto más permisivo: las sociedades disciplinarias (cárcel, escuela, ejército, iglesia) en transición a las de control-y el aporte invalorable de Gilles Deleuze.
Dos nombres son claves en su formación: Georges Canguilhem, historiador de las ciencias, indisociable de la corrosión entre normal y patológico; y Georges Dumezil, historiador de las sociedades indoeuropeas, sus mitos y sus invariantes narrativas.
El otro, Claude Lévi-Strauss, de quien toma la noción de estructura para ampliarla (o flexibilizarla) hasta la episteme: los discursos componen el juicio que los sujetos tienen de sí mismos y de su época.
La crítica sartreana al estructuralismo como la última ratio que la burguesía opondría al marxismo, carece de consistencia: ese marxismo es un juicio que la misma burguesía hace de sí misma con objeto de justificar su mala fe. Argelia no se salva sólo firmando solicitadas.
Foucault escucha a los estudiantes, los locos, los psicoanalistas, los escritores (Sollers, Ponge, Pleynet, Kristeva, Duras, Robbe-Grillet, Barthes) pero también a los presos, al punto de fundar un grupo de apoyo.
En El College de France, lentamente, vuelve a la filosofía; es decir, a Grecia, y sus últimos libros, escritos y cursos versan sobre el conocimiento de sí, la ascesis, los virtudes. Antes, había tirado la primera piedra de la biopolítica.
¿Existe un pensador de la talla de Foucault en el mundo contemporáneo? Agamben, Toni Negri, Roberto Esposito, Habermas, Safransky, Charles Taylor, continúan por ese carril, mientras Alain Badiou y Clement Rosset toman algo de él y Deleuze.
Pero Foucault jamás cometió la torpeza de hablar de libertad, autonomía o autenticidad sino de la relación, tóxica, entre el poder y la verdad. En los gradientes de verdad se juega parte de la herencia de quien murió bajo la ley de hierro del estoicismo.
Fuente:Telam
POESÍA
Invitación a Octubre
Venite para Octubre, yo te invito.
No te quedes en junio.
Junio fue el dieciséis, y la traición.
Aviones que las flores cambiaron por las bombas,
y un mediodía la Plaza
se llenó de cadáveres, de dolor y de sombras.
El odio estalló en junio.
Venite para Octubre, allí te espero.
No te quedes en julio.
Julio fue la agonía, el “viva el cáncer”,
el dolor infinito de un Pueblo sin consuelo.
Fué Evita que se iba
para hacerse inmortal.
A tu madre ese día vos la viste llorar.
Venite para Octubre, vamos juntos.
No pares en septiembre, seguí andando.
Septiembre es la derrota, el Pueblo perseguido,
la cárcel, los fusilamientos.
Después…
Después: dieciocho años de dura proscripción,
y muchos, muchos cómplices
de toda condición.
Venite para Octubre, vamos todos.
No vuelvas nunca a marzo.
Marzo fue la tragedia,
la destrucción, la Muerte.
Murió la vida en Marzo.
¡Y hasta murió la Muerte !
La reemplazaron, crueles, las desapariciones,
y el “en algo andarían” llenó las redacciones.
Nunca vuelvas a marzo.
Pero Nunca lo olvides.
Venite para Octubre, Octubre es nuestro.
El 8 festejamos que nació Juan Domingo,
el que con su palabra despertó a los de abajo,
el que, junto con Eva, nos enseñó el camino
y a defender unidos dignidad y trabajo.
Venite para Octubre, que el Pueblo
en aquel 17 construyó la Lealtad.
De pronto, caminando o trepado en tranvías,
la ciudad sorprendida lo miraba llegar,
Como dijo el poeta:
“de la Patria , se sublevó el subsuelo”,
desbordando las calles, salió a la luz del día
a exigir la libertad del Coronel del Pueblo.
Venite para Octubre, haceme caso.
Octubre es Nuestro mes, es Nuestro tiempo.
Y si no terminaras de entender mi pregón,
si no te conmovieran Evita y Juan Perón.
Mirá ese joven alto que avanza decidido
¿Reconoces en él a tu hijo querido?
Fue también en Octubre, hace apenas un año,
que lo viste llorar con el puño apretado.
Y lloraba por Néstor, que se marchó a la historia,
con Juan Domingo y Eva a reunirse en la Gloria.
En ese 27, maduró de repente.
Sintió que era ya un hombre,
le cruzó la mirada una sombra doliente.
Y un segundo después, masticando su llanto,
gritó el nombre de Néstor y descubrió que es cierto,
que hay hombres que la vida la atraviesan de frente,
sin bajar la cabeza, sin bajar los ideales.
Y se unió a nuevos hijos, nuevas generaciones
que salen a luchar con fe en sus convicciones.
Ya estás aquí, en Octubre, vivilo plenamente.
Octubre es Nuestro tiempo, tiempo de construcción
No vaciles: la Historia reclama tu presencia
Se que no es necesario ponerle más palabras
Tu hijo viene a tu lado. Ya es otro compañero
que, con Perón y Evita, con Néstor y Cristina,
llega con paso firme a refundar la Historia.
Octubre es todo Nuestro y es Nuestra la Victoria!
Analía Viviana Duarte
Envío:Cecilio M.Salguero
Nota:Las fotos que acompañan las notas que no son de origen son bajadas de la Web
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